“Las niñas bien”, espejismos de la élite mexicana que perdió posición, poder y dinero.

Por: Aída M. Castillo

Una de las mayores crisis económicas y sociales por las que ha atravesado México, fue durante la administración del ex presidente, José López Portillo, allá en los 80, debido a la grande deuda externa el Banco de México se apartó del mercado de cambios; el precio del petróleo, al que se le estaba apostando enormemente carecía de visión y sentido, se otorgaban préstamos poco responsables, y una enorme corrupción dieron como resultado, no solo un desplome en los precios del oro negro, sino también una devaluación del 400% de la moneda nacional. Tras esa breve lección de historia que no debemos perder de vista, pues: un pueblo que no conoce su historia está condenado a repetirla. Te contamos de una película que ha representado a México en festivales como Toronto Film Festival y ha sido bastante aplaudida.

“Defenderé al peso como un perro”

Sostuvo durante su gestión, José López Portillo, respondiendo a rumores de una inminente crisis que sucedió.

La película “Las niñas bien”, dirigida por Alejandra Márquez Abella, brinda una versión de esta amarga crisis inspirada en la obra periodística de Guadalupe Loaeza del mismo nombre, lo hace desde la óptica de aquellos que están a punto de perderlo todo. De lo que ahora se denominaría como “los fifís”, esta clase social que -a veces- percibimos como frívola,pues incluso en las comedias ligeras así se representan, aunque, si los vemos un poco más de cerca y de manera más empática, han aprendido a camuflajearse entre esos círculo social de alta alcurnia, escondiendo sus problemas y manteniendo las apariencias, cueste lo que cueste. Pues estar jodido nunca resulta algo interesante.

Durante la presentación a los medios abordaron la complejidad del clasismo y el impacto político que tiene.

Ciertamente llega en un momento político álgido, lleno de incertidumbre para muchos, pues en el subtexto denuncia, el enorme peso de querer pertenecer y aferrarse a una clase social, la opulencia casi obscena de unos, la desigualdad social y quizás lo más importante: el papel de las mujeres, que en este episodio de la historia se limitaba a ser “esposas trofeo” y “madres modelo”, aunque empezaban a incidir en la política, pues como mencionó, la actriz Cassandra Ciangherotti, esta fue la primera generación de mujeres que realmente se interesó por entrarle a la esfera pública.

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Aunque para las mujeres de esa época, sus principales aspiraciones eran simplemente “MMC” Mientras Me Caso, ya que su autonomía económica y social dependía única y exclusivamente de su vinculación con un hombre, que aunque la maltratará, la sostenía cuando menos económicamente y es aquí donde se desarrolla el nudo de la trama, pues vemos cómo el mundo se desmorona para Sofía (Ilse Salas) cuando empieza a perder estatus social, al tambalearse las finanzas familiares y ya no puede tener el estilo de vida que llevaba anteriormente, junto a su círculo social compuesto por: Alejandra (Cassandra Ciangherotti), Inés (Johanna Murillo) y Cristina (Jimena Guerra); Ana Paula (Paulina Gaitán), viene a romper el molde pues tiene la “fortuna” de casarse con un hombre a quién le está yendo bastante bien, sin embargo es “nueva rica”, y aunque existe cierta resistencia al principio a integrarla, como el dinero es “Don poder” la aceptan en su círculo.

Este es el póster oficial para su distribución a través de Cinépolis.

“¿Por qué eres tan pinche soberbia?” Le dice Ana Paula a Sofía en una monumental escena.

En los pósters de la película se lee: ¿Hasta dónde eres capaz de llegar por mantener tu estatus?

Resulta entonces, un retrato de una clase social privilegiada que la mayoría de las veces se percibe como frívola y tonta, aunque también la de una angustia universalmente conocida: la incertidumbre, también nos hace reflexionar con sutileza que desde lo cómodo, lo único conocido y lo que nos da poder, el status quo, difícilmente podremos obtener lo que en realidad queremos. La relación entre Sofía y Fernando (Flavio Medina) es violenta, pero es permitida por la dependencia económica que existe, Fernando ni se inmuta ante la presión y vergüenza que siente su esposa y prefiere hundirse en el alcohol, que realmente tratar de hacer algo explicito.

Alejandra Márquez Abella con “las niñas bien”: Ilse Salas, Paulina Gaitán y Cassandra Ciangherotti.

Márquez Abella, mencionó en conferencia de prensa, “todos sostenemos y mantenemos al sistema”, lo que quiso hacer al llevar a la pantalla grande a estos personajes es cambiar el tono; aseguró que tuvo miedo al filmar pues siempre pensó en comunicar al espectador que no es una apología al discurso sino una crítica, pero sobre todo un fenómeno que realmente quería entender. “No quiero ser panfletaria y simplista”, por lo que se apoyó en el lenguaje cinematográfico que permite complejizar discursos, “el texto está ahí y en el subtexto se puede construir una cosa robusta y compleja.“

“Ni siquiera las mujeres que están cerca del poder o del dinero, son mujeres poderosas.“ Es algo que descubrí con este proyecto.

Confesó Alejandra como descubrimiento al realizar esta cinta.

Ilse Salas también declaró que cuando la invitaron a participar, no se veía siendo “una niña bien”, y que no le interesaba entrarle al clasismo de la comedia ligera que se maneja en México. Sin embargo al conocer quién sería la directora y cómo querían abordar el proyecto, la atraparon. Pues se trata de un ejercicio de confrontar tus propios complejos y clasismo.

En exclusiva para The Hang Out, Alejandra Márquez Abella mencionó: “Yo creo que la película tiene mucho contenido feminista, habla de las mujeres y de la incapacidad de decisión que tenían en ese momento, me interesa retratar los asuntos que competen a las mujeres desde lugares sutiles y no panfletarios, no irnos a los blancos y a los negros, sino entrarle a la complejidad y al debate de que todos somos clasistas de algún modo, todos somos parte de este sistema.”

Esta es una película hecha por mujeres que cuestiona el patriarcado. En la imagen: Cassandra Ciangherotti, Johanna Murillo y Flavio Medina.

Un detalle exquisito de la presentación de este filme, es que mientras nos contaban del proyecto, las actrices y la directora respaldan “la ola verde” mediante pañuelos verdes atados a sus manos dándole un simbolismo aún más especial a su discurso.

Las niñas bien llega a cines el 22 de marzo.

La muerte como un bucle infinito e imposible de vencer: Russian Doll.

Por: Aída M. Castillo

Una matrioshka es un conjunto de muñecas tradicionales de origen ruso creadas en 1890. Lo original de ellas, es que se encuentran huecas porque albergan en su interior una muñeca, que a su vez contiene otra y así hasta la más grande registrada que contiene 75 unidades. Además de ser un bonito souvenir ruso, tiene mucho que ver con la nueva serie que se está convirtiendo en favorita de muchos.

Se trata de Russian Doll o Muñeca Rusa, protagonizada por Natasha Lyonne, que da vida a Nadia Vulkov. La historia te somete a vivir y revivir su cumpleaños número 36, una y otra vez, pues sin importar qué decisión tome, muere y reinicia el mismo día.

Paradójicamente, se gana la vida como diseñadora de videojuegos, por lo que su vida se convierte en uno, y todas las noches fallece de formas distintas y a veces hasta absurdas, aunque toma distintas decisiones, evita trampas y trata de manejarlo de forma diferente, siempre termina en el mismo lugar.

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Russian Doll refleja el ingenio de Lyonne, Leslye Headland y Amy Poehler, una combinación que le da al programa un tono irónico mientras explora su propia metafísica alternativa. Con el toque perfecto de humor negro y sarcasmo. 

Al igual que en The Leftovers y The Good PlaceRussian Doll se une a una lista de series que debaten la realidad, la muerte, la vida y la trascendencia de distintas perspectivas. Aunque Nadia niega que su viaje tenga que ver con la moralidad, se trata más bien de cómo las personas están conectadas en su vida y las distintas reacciones que éstas producen en el bucle.

Obtenemos la primera pista de que la respuesta al misterio de Nadia no está en los estupefacientes ni los fantasmas (ambas son teorías que prueba en diferentes bucles) cuando decide pasar la noche cuidando los zapatos de un hombre sin hogar que, en un reinicio anterior, se congeló de muerte. 

Esta es la primera vez que se da cuenta de que puede usar su situación para el bien de otra persona. Agotada de estar sentada toda la noche, pierde su parada de ascensor cuando sale del refugio y se encuentra con Alan (Charlie Barnett), el otro protagonista del programa, con quien, según reconoce, su historia está interrelacionada.

Russian Doll

A partir de esta reunión, el programa anida historias dentro de historias, como en las matrioshkas, mientras Nadia y Alan intentan descubrir que los conecta. Alan está seguro de que su enredo es una especie de purgatorio por “ser gente mala.”

“¿Qué es la gente mala?” Nadia pregunta. “Ahí está Hitler y luego están todos los demás”.

Con menos frialdad, ella insiste en que es demasiado simple y narcisista suponer que la metafísica moral del universo coincide con el sentimiento de culpa de Alan. Ella propone, en cambio, una especie de teoría de videojuegos multiverso-encuentro, según la cual tienen que volver al momento de la historia cuando sus vidas se enredaron y corregir el código que sigue causando el bucle. Si pueden depurar el programa, el bucle se volverá a desentrañar en un tiempo lineal.

Contra la creencia de Alan, el universo no parece preocuparse por el adulterio, el sexo casual, las drogas o los mensajes de texto lascivos, al menos no de forma intrínseca. Pero parece preocuparse si los personajes pueden aceptar, de una manera que fundamentalmente cambia sus vidas, que necesitan a otras personas.

Esto puede no parecer una revelación espiritual, pero es difícil de ganar para ambos. Alan está luchando con una enfermedad mental no diagnosticada. Para manejar su vida emocional, él controla sus relaciones íntimas fuera de la existencia. Nadia ha enterrado un trauma infantil que se remonta a sus abuelos, que son sobrevivientes del Holocausto. A pesar de estar rodeada de amigos, Nadia resiste cualquier demanda que le hagan otras personas. “Nuestras vidas dependen la una de la otra por la eternidad es mi propia pesadilla personal”, se lamenta. “No quiero estar apegado a nadie, quiero al menos mantener la ilusión de libertad”.

A medida que esa ilusión comienza a desmoronarse, las reglas de su juego se vuelven más complicadas. Los protagonistas comienzan a darse cuenta de que sus acciones están causando dolor a quienes profesan amar y que el problema que tienen que resolver es interno para cada uno de ellos. Están compitiendo contra un reloj invisible para mantener unido su mundo mientras tratan de hacer lo correcto por otras personas. Es como si las mismas leyes del universo se estuvieran inclinando para obligarlos a enfrentar el trauma y el miedo que les impide aceptar sus compromisos con otras personas.

Esto también podría ser metafísica narcisista, pero como Alan le dice a Nadia, las vidas son difíciles de cambiar. El espectáculo dobla el tiempo y el espacio para ayudarnos a pensar por qué es tan difícil salir de los bucles destructivos, incluso dentro del tiempo lineal. Y nos da una visión hermosa y vivaz de por qué vale la pena intentarlo de todos modos.

Capitana Marvel, la antesala de lo que se viene para el MCU

Brie Larson encarna a la perfección el papel de una heroína que no se va a dejar pisotear por nadie, ni por los críticos.

Por Alex It.

Las expectativas eran altas, pues después de 20 películas, por fin, POR FIN, era el turno para una heroína del MCU (Marvel Cinematic Universe) tener su propia película, y no, no era la Viuda Negra, no era la Bruja Escarlata, era Capitana Marvel, esa misma que ha sido catalogada como la superheroína más grande de Marvel… y el resultado no decepciona, al menos no desde la perspectiva de que la película es una pieza más en este rompecabezas llamado ‘Avengers’ y el inminente desenlace que está por venir.

Es el año de 1995, y en el planeta Hala del Imperio Kree, una joven agente espacial llamada Vers (Brie Larson) sufre de una serie de sueños que suelen atormentarla. Su superior, un comandante llamado Yon-Rogg (Jude Law), suele entrenar con ella mientras le aconseja mantener sus emociones a raya para un mejor desempeño en el campo. La hora llega para que Vers, Yon-Rogg y demás agentes se encaminen hacia una misión por limpiar un planeta vecino de una invasión de Skrulls, una raza que, para los Kree, es inferior y merece ser erradicada. Sin embargo, una emboscada los toma por sorpresa y un astuto Skrull decide llevarse por la fuerza a Vers.

Brie Larson entrenó con la Fuerza Aérea de Estados Unidos para el papel.

Los Skrull quieren respuestas que sólo podrán encontrar en la memoria de Vers, quien no recuerda nada antes de su llegada a Hala. Lo que sigue es un viaje bombástico y noventero sobre la transformación de la agente Vers a una Carol Danvers renacida, a Capitana Marvel empoderada; claro que antes debe hacer una parada en el Planeta Tierra, recuperar su memoria y amistades, hacer mancuerna con un joven agente Nick Fury (Samuel L. Jackson) y demostrarle a los Kree su verdadera identidad.

Brie Larson es una bocanada de aire fresco para esta franquicia, donde a veces, bueno… casi siempre, la presencia femenina se ve opacada. Y OJO, esta película no esta exenta del mismo problema; no obstante, Larson se roba la pantalla y el tiempo que comparte con los personajes de la Dra. Wendy Lawson (Anette Bening) y Maria Rambeau (Lashana Lynch) son atinados y necesarios, inclusive aquellos donde aparece a lado de Nick Fury, se puede apreciar que es ella quien sale relucir.

El filme cuida los detalles para una fiel adaptación noventera.

Aún así, el filme dista mucho de ser un vehículo para el feminismo, ya que hasta en el más mínimo detalle pareciera ser que la razón de ser de esta heroína es por y para los hombres, pues a pesar de que tenemos un pequeño contexto sobre su vida pasada, jamás se le da el suficiente peso a las luchas que Carol Danvers ha librado en contra de la masculinidad tóxica. A cambio, solamente obtenemos una que otra frase o escena de flashback donde algún imbécil le dice a Danvers como comportarse, y de la cual, la línea que más eco deja a es aquella que Capitana Marvel le dice a Yon-Rogg: ‘No tengo nada que demostrarte a ti’.

Después de 20 cintas, llega la hora de una heroína al centro de la historia.

Sin embargo, el móvil de Capitana Marvel no es dar un mensaje sobre el feminsimo, esa tarea ya la tiene otra que ocupa lazos de la verdad y fuerzas amazónicas. No, el móvil de Capitana Marvel es aquel de entregar la pieza crucial del rompecabezas que es este universo de superhéroes. Pues, a pesar de una duración de 2 horas, la historia entrega de manera directa y concisa el propósito de la existencia de esta heroína, para que dentro de mes y medio, cuando ‘Avengers: Endgame’ llegue a la pantalla grande, no parezca ilógico que ella venga a salvarnos a todos.

Del filme destacan los visuales y un soundtrack muy, pero muy noventero con rolas como ‘Just a Girl’, ‘Only Happy When It Rains’ y ‘Come As You Are’ que logran encajar de buena manera con las escenas que se les empareja. Igual se debe reconocer la actuación de Samuel L. Jackson, quien logra también darle más dimensión a su personaje, haciéndonos conectar su pasado con el presente que hemos visto a lo largo de diez años en las otras 20 películas.

Samuel L. Jackson y Brie Larson hacen buena mancuerna.

En una era donde todo debe ser políticamente correcto y todo lo que digas será usado en tu contra – Brie Larson y su supuesto ‘odio’ a hombres blancos críticos de cine – uno como espectador debe recordad que el cine, sí, es un vehículo muy importante para moldear sociedades, dar esperanza y revelar verdades, pero que también es un espacio para reír, llorar, olvidar y sobretodo, entretenerse, y esta película cumple su objetivo. Hay que dejarle a las mujeres maravillas la tarea de los mensajes, pues al final, ‘Capitana Marvel’ debe apreciarse y criticarse por lo que es, una película más del MCU que, para bien o mal, tiene a una mujer como protagonista y que, está rompiendo récords a diestra y siniestra, mientras que patea traseros, aún mejor.

El segundo tráiler de Aladdin, deja a más de uno satisfecho

Cuando vimos el primer tráiler, nos asustó un poco el giro que le iban a dar al genio, interpretado por Will Smith. Sin embargo, este nuevo vistazo disuade un poco ese sentimiento mixto, y nos revela que existirá una gran complicidad entre Aladdin y el Genio de la Lámpara.

Disney se encuentra en una campaña de relanzamiento de clásicos en live-action, para re-imaginar y volver a vivir sus originales animados ahora en películas de acción.

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Guy Ritchie dirige, y está protagonizada por el debutante Mena Massoud como Aladdin, Naomi Scott como Jasmine y, por supuesto, Will Smith en el papel de Genie.

Aladdin llegará a los cines en mayo de 2019.

Capitana Marvel rompe récords en México

En su primer fin de semana de estreno en México, con casi 4 millones de asistentes, la nueva película de Marvel Studios, CAPITANA MARVEL, logró romper varios récords de la industria:

  • 5° lugar de la historia durante el fin de semana de apertura.
  • 4° lugar de apertura de películas del MCU en el primer fin de semana (admisiones).
  •  1° lugar sobre cualquier película estrenada en marzo de la historia.
  •  44% arriba de Black Panther, en el fin de semana de estreno.

Ambientada en la década de 1990, CAPITANA MARVEL de Marvel Studios nos presenta una original y nueva aventura situada en un período nunca antes visto en el Universo Cinematográfico de Marvel. La historia sigue a Carol Danvers (Brie Larson), a quien veremos convertirse en una de las heroínas más poderosas del universo cuando la Tierra queda atrapada en medio de una guerra galáctica entre dos razas alienígenas.

La película es protagonizada por Brie Larson, Samuel L. Jackson, Ben Mendelsohn, Djimon Hounsou, Lee Pace, Lashana Lynch, Gemma Chan, Rune Temte, Algenis Perez Soto, Mckenna Grace, con Annette Bening, Clark Gregg, y Jude Law.

CAPITANA MARVEL de Marvel Studios es producida por Kevin Feige y dirigida por Anna Boden y Ryan Fleck. Louis D’Esposito, Victoria Alonso, Jonathan Schwartz, Patty Whitcher y Stan Lee son los productores ejecutivos. La historia es de Nicole Perlman, Meg LeFauve y Anna Boden, Ryan Fleck y Geneva Robertson-Dworet y el guión es de Anna Boden, Ryan Fleck y Geneva Robertson-Dworet.

Dido regresa con ‘Still On My Mind’

Una de las cantautoras a quién le perdimos un poco la pista, Dido, de origen británico, conocida por canciones como: “Thank You”, “White Flag” y participar en “Stan” de Eminem, regresa con la brillante calidez vocal que la caracteriza con Still on My Mind, su quinto álbum de estudio.

El nuevo albúm contiene los sencillos: “Hurricanes”, “Friends” y “Give You Up”

A pesar de su bajo perfil en la última década, Dido sigue siendo la artista solista femenina más popular del Reino Unido de todos los tiempos, detrás de Adele, vendiendo más de 40 millones de álbumes en todo el mundo desde 1999.

Este viernes lanzó Still on My Mind , después de una pausa de 5 años y se dice, lista para embarcarse en una gira internacional por primera vez en 15 años. Es decir,Busca recuperar ese puesto que tenía bien merecido y que nos hizo saborear sus interpretaciones.

Su vida ha dejado “de estar en renta” y está dispuesta a reconquistarte.

El principal sencillo del álbum, “Hurricanes” , es sobrio e inquietante, y usa algunos de los elementos presentes en su trabajo anterior, para lograr un gran efecto: grandes manifestaciones y momentos íntimos. Una excelente metáfora de lo catastrófica y destructiva que puede ser la fuerza de la naturaleza, sostenida por emociones que desgarran.

La voz de Dido sigue siendo cálida y afectuosa, tan conmovedora como lo fue en el coro de “Stan” de Eminem y en sus propios éxitos como “Here With Me” y “White Flag”.

Pero en “Still on My Mind”, su primer álbum desde “Girl Who Got Away” de 2013, Dido experimenta con varios géneros musicales para transmitir nuevos estados de ánimo que permiten manejar algunas sorpresas y establece, que continúa guiándose con su propia visión del pop.

Puedes encontrar todas sus canciones en las plataformas principales de música y en su página oficial.

6 mujeres que la rompen detrás de cámaras.

En honor al Día Internacional de la Mujer, nosotros te contamos sobre 6 mujeres que la están rompiendo detrás de cámaras.

Por: Alex It.

La verdad es que el cine no podría existir sin las mujeres, pues desde sus inicios, la presencia femenina ha sido clave en el éxito del mismo. En sus primer etapas, el cine presentaba a la mujer como una diva glamorosa, o una villana obsesiva, siempre al centro de la historia y jamás de lado.

Kathryn Bigelow ganó un Óscar por estar detrás de cámaras en la peli de guerra ‘The Hurt Locker’.

Recordemos a histriones como Bette Davis, Greta Garbo o Vivian Leigh, quienes supieron moldear su carrera y mantener un legado a base de este tipo de roles y el reconocimiento a ellos; y hoy en día, se agradece ver en pantalla más diversidad, proyección y validez dentro del género.

Aún así, hay un puesto sobre el cual aún no se reconoce -al menos no como se debería- la destreza, visión y talento femenino: dirigir una película.

Greta Gerwig en el set de ‘Ladybird’, la cual le dio una nominación al Óscar en la terna de ‘Mejor Director’.

Si bien, nombres como el de Greta Gerwig, Sofía Coppola y Kathryn Bigelow (la primer y única mujer en ganar un Óscar en esta categoría) han llegado a sobresalir, hay aún un sinfín de mujeres que la están rompiendo detrás de cámaras gracias a su visión única impresa en cada una sus obras maestras, demostrándonos que el talento no se limita a un género, sino a una pasión por este arte.

Checa estas 5 directoras que la están rompiendo detrás de cámaras:

Ava Duvernay

Ava Duvernay

Esta directora, originaria de California, fue ignorada por la Academia cuando estuvo detrás de cámaras en la magnífica película de ‘Selma’, la cual relata los hechos sobre la marcha liderada por el Dr. Martin Luther King, Jr. en 1965 en Alabama y, que ganó el Óscar a Mejor Canción Original.

Aún así, persistió en su lucha y ha dado vida a trabajos increíbles que no se limitan sólo a la pantalla grande, como dirigir episodios de la serie ‘Scandal’ o el video musical del rapero Jay-Z ‘Family Feud’. La Academia se redimió con ella cuando en el 2017, recibió una nominación por su documental ‘13th’ sobre el sistema penitenciario estadounidense y el racismo que ahí impera.

Sam Taylor-Johnson

Sam Taylor-Johnson

Con reconocimientos de festivales como Sundance y Cannes, así como un par de nominaciones por parte de la British Academy of Film and Television, esta directora inglesa saltó a la fama mucho antes de haber dirigido la infame cinta de ‘Cincuenta Sombras Lideradas’, hablamos de ‘Nowhere Boy‘, una crónica sobre los primeros años de John Lennon.

Sam ahora se ha abierto paso en Hollywood, y después de algunos tragos amargos (ahem, ‘Mr. Grey will see you now’) puede por fin sentirse cómoda en su propia piel y tomar cabeza en proyectos grandes como un par de episodios de ‘Gypsy’ la serie original de Netflix, y próximamente el drama de adicción ‘A Million Little Pieces’.

Catherine Hardwicke

Catherine Hardwicke

Esta veterana ha estado bastante tiempo en Hollywood, y aunque puede que no recuerdes su nombre, seguro, SEGURO que has visto pelis de su creación como ‘La Chica de la Capa Roja’ y la casi nada memorable (kiddin’) ‘Crepúsculo’.

Bajo el brazo tiene proyectos como el video de ‘Till it Happens to You‘ de Lady Gaga o un episodio de la aclamada serie ‘This is Us‘, aunque su primer trabajo siempre será recordado como una película que le dio voz a un generación perdida: ‘A los Trece’, mejor conocida como una versión hardcore de ‘Chicas Pesadas’. Este año está por estrenarse el remake norteamericana de ‘Miss Bala’, donde dirige a Gina Rodríguez como la protagonista.

Issa López

Issa López

Así es, las mexicanas también son unas fregonas detrás de cámaras e Issa López es la mejor prueba de ellos, puesto que lleva ya un rato en el juego, y no sólo como directora, sino como guionista también. Pelis como ‘Efectos Secundarios’ y ‘Casi Divas’ han sido de su cosecha, ambas muy bien recibidas por el público.

Pero realmente ha sido el último par de años donde ha logrado despuntar y probar que sin importar el género, ella sabrá entregar un buen resultado, como lo fueron las cintas ‘Vuelven’, ‘Todo Mal’ y ‘La Boda de Valentina’, siendo esta última de las más taquilleras en nuestro país.

Dee Rees

Dee Rees

Otro gran ejemplo de perseverancia es la directora Dee Rees, quien apenas el año pasado obtuvo la merecida atención de Hollywood al ser la primera mujer afroamericana nominada al Óscar a Mejor Guión Adaptado por la película ‘Mudbound’, la cuál también dirigió y obtuvo nominaciones para Mary J. Blige como Mejor Actriz de Reparto y Mejor Canción Original.

Sin embargo, su trayectoria comienza hace más de 10 años con el corto y subsecuente largometraje ‘Pariah’, una película que – según ella – es semibiográfica, al igual que un par de episodios del exitoso show ‘Empire’ y la película para televisión ‘Bessie’, que narra la vida de la famosa cantante Bessie Smith, misma que le dio un par de nominaciones al Emmy.

Patty Jenkins

Patty Jenkins

Alguien que ha roto barreras de género en la industria durante este último par de años es definitivamente Patty Jenkins, quien después de dirigir la súper taquillera y – bastante buena – ‘Mujer Maravilla’ para Warner Bros., es ahora la mujer directora mejor pagada de la industria.

Cabe recalcar que su éxito se dio hace más de 15 años cuando estuvo detrás de cámaras en ‘Monster’, peli que le diera el Óscar a Charlize Theron; también ha participado en la dirección de episodios de series como ‘The Killing’ y ‘Arrested Development’, por la cual ha recibido una nominación al Emmy. El próximo año llega a la pantalla grande la secuela ‘Mujer Maravilla 1984’, obviamente dirigida también por ella.

Dinos, ¿qué otras mujeres consideras que la están rompiendo detrás de cámaras?

7 canciones perfectas para dedicar este Día de la Mujer

Por: Aída M. Castillo

Ser mujer no es fácil, en un país donde pese a ser mayoría, según datos estadísticos del INEGI, existen 3.4 millones más de mujeres que de hombres. Sin embargo, esta cifra se diluye con la calidad de vida que se va reduciendo por cuestiones como: nivel socioeconómico, nivel educativo y orientación sexual, como atenuantes para acoso sexual, violación, violencia, crímenes de odio y feminicidios.

El 8 de marzo se festeja el Día Internacional de la Mujer, pero antes de que empieces a buscar tus mejores poemas, frases, imagenes y mensajes, te contamos el origen de esta celebración para que reflexiones y quizás le des más atención de la que debes.

La violencia hacia la mujer en nuestro país está más institucionalizada que nunca, con autoridades que lejos de realmente erradicarla, siguen buscando entramados jurídicos para detenerla y prevenirla de raíz. Desde el círculo más íntimo que es la familia o la pareja te invitamos, a que de manera personal, vivas tus relaciones con ellas de la manera más sana y libre posible.

El 8 de marzo, fue instaurado en 1975 por la Organización de las Naciones Unidas (ONU), como una forma de conmemorar la visibilidad de las mujeres en participaciones, sociales, políticas y colectivas, buscando la equidad de oportunidades en un mundo donde, desgraciadamente, todavía el hombre percibe mejores condiciones y no es asesinado ni violentado a diario, por el simple hecho de ser hombre.

En la antigüedad se le daba muy poco espacio y voz a las mujeres, sin embargo destacan referentes en la literatura como Lisístrata, que quitó privilegios sexuales a los hombres con el fin de negociar la paz. Otra figura destacada es Hipatia de Alejandría, que marcó un punto de inflexión entre la cultura del razonamiento griego y el oscurantismo medieval, siendo la primera matemática, filósofa y astrónoma, de cuya vida y obra existe un conocimiento razonablemente detallado, lo que para ese entonces era pagano, por lo que fue brutalmente asesinada.

Olympe de Gouges y muchas mujeres comenzaron a tomar conciencia política durante la Revolución Francesa proponiendo la emancipación femenina, en un sentido jurídico y legal, así como el sufragio femenino. Después entre 1909 y 1917 las mujeres se organizaron para exigir: mejores salarios, igualdad de condiciones y derecho al voto, 58 años después, se reconoció esta fecha y se conmemora una lucha que no ha terminado, porque las condiciones lejos de ser las idóneas, cada vez nos recuerdan la importancia de alzar la voz.

Por eso, estimula tu capacidad empática con las siguientes canciones, no se celebra lo femenino sino la lucha por la igualdad y los derechos y recuerda que el feminismo nada tiene que ver con odio hacia los hombres.

Las Histéricas

Liliana Felipe, de origen argentino pero naturalizada como mexicana dedica a Freud (Segismundo) un mensaje contundente: las mujeres somos mucho más que una etiqueta, e incluso reta su teoría de que el orgasmo clitoriano es una expresión infantil. Retomando la idea de la “histeria” como enfermedad femenina, que fue tratada por Hipócrates hasta Freud, para diagnosticar por salirnos del molde, por disfrutar del sexo, por querer trabajar, por ser simplemente lo máximo. En esta canción se le da la vuelta al “insulto” y se convierte en una oda a las histéricas.

Ella

Este es un himno de empoderamiento femenino y del bueno, la cantante española, nos da un respiro en medio de tanto caos y violencia. Con el mensaje de darle amplitud al amor propio. El amor de la vida de una mujer, debe de ser ella misma. Además nos recuerda, que si bien las cosas no siempre salen bien, siempre podemos aprender de ellas. Vamos a romper las reglas estipuladas.

Antipatriarca

Entre versos feroces, Ana Tijoux, resalta la autonomía, la independencia y una hermosa sororidad que une a las mujeres a una sola voz. Además revive la idea que comienza con la valoración de la vida y la igualdad de todas las mujeres rebeldes de todo el mundo. En un video realizado de manera espontánea grabando a personajes en sus entornos habituales.

Mujer

Cada vez que una mujer decide y se atreve a alzar la voz, se empiezan a decir muchas cosas de ella, muchas le rehuyen a eso y prefieren aceptar lo que la sociedad les impone. En este homenaje de la mexicana Amparo Ochoa expone que la esclavitud comienza desde la mente, calladitas no nos vemos más bonitas. Destrozar paradigmas arcaicos, que aún dictan nuestra manera de entendernos en el mundo, es un reto que se vive a diario.

Mujer Lunar

La chilena Rebeca Lane, hace consignas políticas desde su arte, expone con sensibilidad y fuerza, temas como la defensa del cuerpo femenino, la desaparición forzada, femicidio e incluso despojo territorial a comunidades indígenas y rurales. En esta canción en particular recalca con el paralelismo de que la luna es un astro femenino, que se puede y se debe romper estereotipos, para dignificarnos y para ser libres.

Dignificada

Este himno está cargado de simbolismos políticos, para entender el contexto, Digna Ochoa y Plácido fue una férrea veracruzana defensora de los derechos humanos, que asesoraba a personas de bajos recursos, hasta que se topó con casos penales mucho más delicados que involucran al ejército y a los servicios de seguridad pública, a partir de aquí, comenzó a recibir amenazas de muerte, que la llevaron a un “exilio voluntario” en Washington, en los tiempos de Ernesto Zedillo como presidente. En 2001 regresa a México esperanzada de que los derechos humanos hubiesen mejorado en el país, pero con lo que se encuentra es con la muerte.

Lila Downs habla sobre la dignidad y sobre la no sumisión rindiendo homenaje a Digna Ochoa. Se trata de un grito dolido a las autoridades por su pasividad ante el feminicidio.

Mujer Perfecta

Virginia Rodrigo, verbaliza la confusión que se vive con la suma de paradigmas que históricamente se ha impuesto al género femenino, desmonta los mitos de la perfección con sutileza, e incluso sostiene con rigor, que los errores que nos llevan fuera de la zona de confort son necesarios para atravesar todos los miedos y reconocernos.

La violencia a las mujeres, aún es una realidad, por eso la importancia de este día como un recordatorio de la lucha diaria y persistente a la que nos tenemos que enfrentar, está muy lejos de tratarse de un día comercial y mediático. La lucha es mucho más profunda y las razones son poderosas. No subestimemos nuestra fuerza y nuestro poder.

Beautiful Boy, de amor paternal y otras adicciones.

Steve Carell y Timothée Chalamet te sacarán lágrimas en este poderoso drama de la vida real.

Por Alex It.

Desde el primer encuadre nos queda claro el mensaje, un padre desesperado pide saber todo sobre metanfetaminas, ¿el motivo? su hijo adolescente es un adicto y quiere ayudarlo. Si bien el filme retrata la lucha y fracaso – ciclo repetitivo- contra la drogas, la mayor adicción aquí presentada no es la de la heroína, metanfetaminas y demás sustancias, sino aquella de un padre que cree una y otra vez en su hijo quien, ante sus ojos, es un pequeño niño indefenso que sucumbe ante las atrocidades del mundo real.

Steve Carell y Thimothée Chalamet interpretan a David y Nic Sheff respectivamente.

Beautiful Boy es un drama basado en las vivencias de David Sheff, escritor freelance para publicaciones como Rolling Stone, Playboy y The New York Times, y autor del libro ‘Beautiful Boy: A Father’s Journey Through his Son’s Adidction’, donde relata la batalla que libró contra la adicción de su hijo Nic Sheff, quien escribe su propia versión de los hechos en ‘Tweak: Growing up on Metamphetamines’. Steve Carell y Timothée Chalamet interpretan a David y Nic Sheff respectivamente, ambos con una extraordinaria química en pantalla que casi podría parecer que son familia en la vida real.

Después de la primera escena, la película retrocede un año para mostrarnos los primeros síntomas de la adicción, pues Nic desparece de casa un par de días hasta que regresa con lo que parece ser una terrible cruda y una confesión sobre haber ingerido una que otra droga a modo de experimento en una fiesta – según él, su primera vez -, siendo entonces que el primer instinto de David es llevarlo a un centro de rehabilitación, un lugar que promete ser la cura para esta pequeña, pero alarmante situación…

La adicción del joven Nic Sheff se vuelve cada vez más tormentosa. Credit: Francois Duhamel/Amazon Studios

Error, la adicción solo se refuerza a la par de que la relación padre e hijo va en deterioro, muy a pesar del apoyo incondicional de Karen (Maura Tierney) la segunda esposa de David, quien cuida de Nic como si fuera su propio hijo, mientras que la madre, Vicki Sheff (Amy Ryan) solo se preocupa a distancia. Y es así que, junto con David, nosotros como audiencia somos testigos de las recaídas de Nic, quien parece nunca tocar fondo, no siquiera después de una primera sobredosis.

Carell hace un trabajo impecable como un padre desesperado por controlar la cada vez más creciente adicción de su hijo, sin darse cuenta que dentro de él comienza a germinar una adicción propia, la no desamparar a su hijo en medio de mentiras y recaídas; por su parte, Chalamet es súper atinado como Nic, pues aquella simpática arrogancia visible en trabajos como ‘Call Me By Your Name’ o ‘Ladybird’ es completamente dejada de lado abriendo paso a la desesperanza y tristeza anestesiada de un joven que sucumbe ante sus debilidades.

Nic (izq.) y David She ff en la vida real. Credit: Shawn Ehlers/WireImage

Aunque en ratos podría parecer un comercial de ‘di no a las drogas’, es notorio que el objetivo de Felix van Groeningen -director belga en su debut hollywoodense – es presentar la lucha y demonios que vienen con la adicción de un ser querido, especialmente un hijo. Y la mayor adicción aquí percibida no es la de un joven inyectándose heroína, sino la de un padre que sin importar cuantas recaídas tenga su hijo, estará ahí para apoyarlo incondicionalmente.

Definitivamente vale la pena verla, eso sí, acompañado de una caja de kleenex, pues entre las poderosas actuaciones y un soundtrack magistral, habrá un par de escenas que te sacarán lágrimas… Por cierto, seguimos molestos con la Academia por no haber nominado siquiera a Chalamet, bajita la mano, hace una mejor interpretación que Rockwell en Vice o Elliot en A Star is Born #justsayin’

La cinta llega a la pantalla grande el próximo 08 de marzo.

El mundo oculto de Sabrina parte 2: año nuevo, bruja nueva, ¿novio nuevo?

Las primeras imágenes de la segunda parte de El Mundo Oculto de Sabrina nos revelan su lado más oscuro e incluso se plantean nuevas opciones románticas, que a los fanáticos de la relación de Sabrina y Harvey, nos dan un poco de miedo.

¿Será el fin de Harvey y Sabrina con la introducción de un nuevo y atractivo brujo a su vida?

CHILLING ADVENTURES OF SABRINA

El mundo oculto de Sabrina cuenta el origen y las aventuras de Sabrina (Kiernan Shipka) la bruja adolescente como una oscura historia sobre el proceso de madurar que trata con el terror, lo oculto y, por supuesto, la brujería.

Los eventos de la primera temporada hicieron mella en la relación entre Sabrina y Harvey, lo que los llevó a la ruptura. A pesar de que Harvey (Ross Lynch) quería reconciliarse después de todo, era demasiado tarde, ya que Sabrina había firmado el Libro de la Noche, convirtiéndola en una bruja completa. Esto la verá alejarse más de sus amigos mortales a medida que se vuelva más poderosa.

CHILLING ADVENTURES OF SABRINA

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Después conocimos a Nick en la Academia de las Artes Invisibles y él se muestra cálido y acogedor con la llegada Sabrina, e incluso la defiende en medio de la implacable intimidación de las Tres Hermanas, también ayuda a defender a Harvey del Greendale 13.

El final de la temporada ve a Sabrina abrazar su nueva identidad y la vemos transitar hacia el mundo de la brujería y dejar atrás la vida de los mortales, caminar a través de su nueva escuela de la mano de las Weird Sisters mientras Nick mira con asombro. Así que ciertamente parece que hay potencial para que algo suceda entre los dos en la próxima salida.

Aunque, el personaje de Nick Scratch no aparece en los cómics de Chilling Adventures of Sabrina, por lo que no se sabe lo que los escritores han planeado.

“Es un mundo difícil que lucha contra las fuerzas oscuras”, dijo. “Ella va a necesitar un compañero fuerte que también haga latir su corazón, y creo que Nick tiene esas capacidades, para hacerla sentir algo”.

Hablando con TV Guide, Gavin Leatherwood aseguró que Nick y Sabrina tienen un vínculo especial.
CHILLING ADVENTURES OF SABRINA

Románticamente, Sabrina entonces se verá atrapada en un profano triángulo amoroso entre el atractivo brujo Nicholas Scratch (Gavin Leatherwood) y el bueno y honesto mortal Harvey Kinkle.

Mientras tanto, el Señor Oscuro, Madame Satán y el padre Blackwood continúan evocando el caos en la casa de los Spellman y en la ciudad de Greendale. Y no son los únicos que tratan de traer el infierno.

Sabrina Spellman y Harvey Kinkle son uno de los mejores romances de la historia.

Habrá que ver qué rumbo toma este triángulo amoroso y que opina la audiencia, porque sin duda será interesante. Pero más importante aún, qué uso le dará a sus poderes, nuestra bruja preferida.

La Parte 2 tendrá a Sabrina explorando su lado más oscuro, curiosa por aprender más sobre su herencia, mientras lucha por mantener sus amistades en el mundo mortal.

CHILLING ADVENTURES OF SABRINA

Todo está en duda… relaciones, identidad, verdaderas intenciones… cuando el trabajo del diablo está a la mano.

El mundo oculto de Sabrina Parte 2 se estrena globalmente en Netflix el 5 de abril.

¿Qué hay de nuevo en Amazon Prime en marzo 2019?

El tercer mes del año llegó, y con él nuevos programas se apoderan de Amazon Prime. Te contamos los más relevantes.

Presunto Culpable (1 de marzo)

Producción española con tintes dramáticos y de suspenso, presentan a Jon Aristegui, un investigador que debe volver a su pueblo natal debido a un terrible suceso. Sin embargo, durante su estadía se enfrenta a fantasmas del pasado, como la desaparición sin resolver de su exnovia “Anne”.

Ambientada en un pequeño pueblo del País Vasco, el entorno en esta historia pasa a convertirse en figura de gran relevancia para la trama. Es protagonizada por Jon, (Miguel Ángel Muñoz ), Begoña (Suzi Sánchez) , Iñaki (Carlos Serrano) , Ainhoa (Itziar Atienza), Javier (Eduardo Rosa) y Anne (Alejandra Onieva).

The Widow (1 de marzo)

Esta serie sigue los pasos de Georgia Wells (Kate Beckinsale), quien desde la muerte de su pareja, Will (Matthew Le Nevez) en un trágico accidente aéreo, vive alejada de la sociedad en las lejanías del campo galés. Sin embargo, todo cambia cuando Georgia ve a Will en un reportaje de televisión sobre el Congo, esto la convence de que Will (Le Nevez) todavía está vivo, y emprende una búsqueda desesperada.

Georgia viaja al Congo para encontrar a Will, ahí se encuentra con Judith Gray (Alex Kingston), la antigua compañera de negocios su pareja, y Emmanuel Kazadi (Jacky Ido), un periodista local que también perdió a sus esposa en el mismo accidente aéreo. El amor por Will, llevará a Georgia a la región más volátil del país africano, en donde  tendrá que lidiar con el desquiciado general Azikiwe (Babs Olusanmokun), niños soldado y hombres de dudosa reputación.

American Gods (11 de marzo)

La segunda temporada de American Gods llega a la plataforma y seguirá la inminente batalla entre los dioses antiguos y los dioses modernos, en un punto crítico donde el destino de ambos confluyen entre sí. Basada en el best- seller de Neil Gaiman, escrito en 2001.

La serie ha obtenido críticas mixtas por ser visualmente buena pero tener inconsistencias en su planteamiento. Sin embargo la segunda temporada está a punto de llegar, en medio de cambios de guionistas y hasta de directores. La historia revela a Shadow Moon (Ricky Whittle), quien es contratado para servir de guardaespaldas y conductor de un hombre llamado Mr. Wednesday (Ian McShane), esto durante una misión secreta en todo el país

Hanna (29 de marzo)

Hanna (Esme Creed-Miles) sigue el viaje de una extraordinaria joven criada en el bosque, mientras evade la incansable búsqueda de un agente de la CIA fuera de los libros y trata de descubrir la verdad detrás de quién es ella. La película de Joe Wright de 2011 recibe una actualización televisiva en esta serie de Amazon Prime, creada por el escritor original de la película, David Farr.

Así que si te encuentras en búsqueda de programas llenos de suspenso, no te puedes perder, estos que llegan a Amazon y prometen tenernos al filo del asiento con la diversidad de historias que podemos encontrar.

Iron Maiden anuncia tercera fecha en México del Legacy Of The Beast Tour.

Tras agotar rápidamente los 2 conciertos en el Palacio de los Deportes con una capacidad de 22 mil personas, IRON MAIDEN tocará una tercera noche en ese recinto. Este será el viernes 27 de septiembre. Los boletos estarán disponibles en Venta General el 4 de marzo a través de Ticketmaster y por teléfono al 53-25-9000.

El clamor sin precedentes de los fans mexicanos para la demanda de los boletos para la gira Legacy Of The Beast Tour significó la suma de la segunda fecha programada para el lunes 30 de septiembre, la cual junto al primer show del domingo 29 de septiembre se agotaron casi de forma inmediata.

La exitosa primera parte de la gira europea inició el año pasado y fue aclamada por la crítica, no solo por los más de 750 mil fans que presenciaron el show, sino también por la prensa especializada.

Steve Harris, bajista y miembro fundador comentó:

“La última vez en México en The Book of Souls Tour tocamos dos noches en el Palacio de los Deportes y fueron dos de los mejores – y más emocionantes – shows de todo el tour. El público fue increíble, ruidosos y entusiasmados, en verdad nos inspiraron. Por lo tanto, ahora después de agotar dos shows tan rápido es fantástico poder agregar un tercer show y tocas para más de nuestros fans en México.

Pensamos mucho en la lista de canciones para este Tour, ya que las canciones necesitaban seguir la narrativa de los mundos cambiantes del espectáculo en el escenario. Sentimos que terminamos con un set muy fuerte y equilibrado que mezcla canciones que no hemos tocado en muchos años como Flight Of Icarus, Sign Of The Cross and The Clansman con canciones que sabemos que los fans quieren escuchar como The Trooper, 2 Minutes To Midnight, The Number Of The Beast, Fear Of The Dark, Run To The Hills, Hallowed Be Thy Name y otras, que reflejan el viaje a través de los diferentes temas del espectáculo. ¡Toda la banda está realmente disfrutando de esta gira y estamos ansiosos por ver a todos en México de nuevo! “

El vocalista de Maiden Bruce Dickinson agrega:

“¡Estamos emocionados de regresar a la Ciudad de México y compartir el Legacy of the Beast Tour con todos nuestros amigos allí! Estamos inmensamente orgullosos de este show y hemos tenido excelentes reacciones de parte de los muchos fanáticos que vinieron a vernos a Europa a principios de este año. La producción se basa en nuestro juego móvil, The Legacy Of The Beast que básicamente lleva a varias encarnaciones de Eddie a muchos mundos diferentes. Esto nos inspiró a armar un espectáculo teatral para llevar a nuestros fanáticos a través de esos diferentes mundos y experiencias con canciones nuestras”.“No es tan fácil diseñar diferentes mundos en el escenario, trabajamos mucho para que funcione y el resultado final nos hace sentir que es nuestro trabajo en vivo más espectacular y sin duda, el más complejo hasta la fecha. Tenemos todo tipo de locuras, incluyendo una réplica del avión Spitfire que domina el escenario durante Aces High, toneladas de pirotecnia, un Ícaro gigante, mosquetes, y algunos lanzallamas realmente maravillosos con los que me divierto muchísimo. 

“Y por supuesto, tenemos a Eddie como nunca antes lo han visto, y muchas sorpresas más. Me la he pasado increíble jugando con todos estos magníficos accesorios en el escenario, ha sido fantástico y ¡no podemos esperar a traer este espectáculo a ustedes!”

La gira 2019 de Maiden por Norte, Centro y Sudamérica, comprende 41 shows en seis países lo que, combinado con su tour europeo de 2018, significa que para el final de la gira, la banda habrá llevado  The Legacy Of The Beast a casi 1 millón de fans en todo el mundo. 

‘A Star is Born’, ‘500 Days of Summer’ y más referentes tóxicos de la cultura del amor romántico

Por: Aída M. Castillo

Sí, el amor es bien bonito y nos hace sentir muchas cosas, pero lo tenemos muy idealizado. Sin duda, la culpa la tienen los medios de comunicación y la cultura romántica a la que estamos expuestos, que nos lo presenta de una sola forma.

El romance en la pantalla grande o en los libros puede ser bastante seductor. Aunque, nos aleja del amor verdadero que se construye día con día, de las relaciones SANAS con que nos nutrimos cotidianamente, pero lo más importante: del amor propio. En vez de ser un entretenimiento inofensivo, la cultura romántica ofrece a las personas expectativas poco realistas y poco saludables sobre los vínculos diarios.

Como menciona Coral Herrera Gómez, el amor es infinito, abierto, diverso y colorido y no se puede reducir al “romanticismo” de dos personas adultas heterosexuales, blancas, sanas y económicamente estables… por qué pues ¿qué hueva, no?

Las películas, series y libros de género romántico no reflejan los vínculos afectivo/eróticos de manera real. Al menos, no para la mayoría de nosotros almas marginadas, románticas, poéticas, disfuncionales y desafortunadas. (Quaaaaaack)

Aunque consumamos con mucha emoción, películas o series como “The Notebook”, “500 Days of Summer”, “A Star Is Born” o “You” todas ellas tienen un mensaje del cual debemos aprender y deconstruir(nos). En el fondo nos venden una idea del amor muy retorcido y alejado de lo idílico, pues esos dramas que, hasta nos hacen sentir culpables y avergonzados, por no tener una relación así, son el alimento perfecto para el consumo marketero e incluso se trata de un dispositivo político.

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Sí, todos queremos un amor bonito, pero la mayoría no están(mos) dispuestos a construirlo. La vida no une a dos personas mágicamente a través de una serie de eventos extravagantes y lindos, que les hacen darse un beso apasionado bajo la lluvia, con un tensión sexual, que hace estallar hasta la misma pantalla, donde lo estamos viendo.

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En la vida real existen más historias de amor no correspondido que de “felices por siempre”. El amor desde una perspectiva cultural, nos lo han vendido como un ejercicio doloroso y ni qué decir del desamor, y nada está más alejado de esta realidad.

La mayoría de las tramas utilizan la misma fórmula: una persona generalmente marginada estética, social o económicamente, encuentra a la persona de sus sueños, generalmente atractivo(a), dulce y listo para emprender una aventura y enamorarse profundamente de dicha persona inesperada. Los problemas surgen debido a las diferencias, pero son fácilmente reconciliables y todo queda en final feliz en menos de dos horas (lo que dura la película). Te contamos 5 películas que hablan precisamente de esto para que evitemos caer en este tipo de relaciones.

1. Noah y Allie (The Notebook)

Noah acosa y manipula a Ally para que acceda a salir con él.
Noah acosa y manipula a Ally para que acceda a salir con él.

Puede parecer una inofensiva dulce historia de amor sobre segundas oportunidades, entre dos personajes atractivos. Pero como dicen, en el negocio: el drama vende, y la versión cinematográfica incluso refuerza desproporcionadamente los estereotipos peligrosos sobre la dinámica de género y las estructuras de poder en las relaciones románticas.

2. Tom y Summer (500 days of Summer)

El problema de Tom es que idealiza tanto a Summer, que pierde su propia esencia.

El protagonista es tóxico y obsesivo, desde el primer momento coloca en un pedestal a Summer, se pone de tapete y espera algo de ella que nunca le prometió. La protagonista, odiada por muchos, realmente expresó que no quería nada serio, y aunque puso muchos límites, Tom los ignoró olímpicamente.

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3. Jack y Ally (A Star is Born)


Ally se enamora de Jackson de la misma manera en que caen muchas heroínas del cine: se le ofrece la validación como un bálsamo para la baja autoestima. 

Parece un cuento fantástico de la “pureza del verdadero amor”, aunque en realidad trata del alcoholismo y la fuerza bruta de la depresión, que en realidad, no son tan poéticos. 

En la vida real, una disculpa, no importa cuán real, a menudo no es suficiente. Que las malas acciones de uno sean el resultado de una enfermedad no mitiga su daño a los demás. Puede que la intención no siempre sea maliciosa, pero el impacto sigue siendo dramático. 

4. Jaime y Cersei Lannister (Game Of Thrones)

amor-romantico
Los dos alimentan su toxicidad, que les hace mantenerse a flote en una búsqueda insaciable por el poder.

Ignorar el hecho de que eran hermanos todavía no los sacaría de esta lista. Jaime podría haberse mostrado reacio, pero siempre hacía lo que Cersei le pedía, sin importar lo despreciable que fuera en una dinámica de poder bastante retorcida.

5. Joe Goldberg y Guinevere Beck (You)

El acoso nunca va a ser romántico.

La manipulación, el acoso y el chantaje llevados hasta el límite en una historia cruel y despiadada. En realidad es, la historia de un acosador psicópata, emocionalmente abusivo, asesino (perdón, spoilers), que no se detendrá ante nada para que Guinevere sea totalmente dependiente de él.

Las películas con temática LGBTTTIQ+ representan un panorama quizás más desolador, pues en su mayoría tienen finales shakesperianos, que muestran ejercicios de poder, donde un personaje es el dependiente emocional, que al terminar “la curiosidad sexual”, termina en un desastre bastante ponzoñoso.

En conclusión, no debemos basar nuestra idea del amor en cuentos de hadas y comedias románticas, que endulzan nuestra imaginación, pero carecen de bastante sentido; aunque podemos continuar esperando (sentados) a alguien que nos atraiga intelectualmente, sexualmente, que le guste, lo que a nosotros nos gusta, que sea ambicioso y tenga sus propios sueños, sin que nos descuide y que no busque cambiarnos sino inspirarnos a ser mejores, que sea emocionalmente estable y que esté soltero(a).. y dispuesto a acompañarnos en esta montaña rusa, que es la vida, pero mientras podemos seguir soñando.

El último álbum que grabó Dolores O’Riordan: “In The End”

A una semana de que se cumpla el primer aniversario luctuoso de Dolores O’Riordan, cantante de origen irlandés y que se sumó a las impactantes pérdidas de la industria musical, la banda decidió lanzar: In The End, que saldrá el 26 de abril.

The Cranberries, ha dado una pequeña muestra de lo que es: All Over Now, y en su sitio web, actualizan a los fans sobre el progreso del material discográfico.

No puedo pensar en una forma más adecuada de conmemorar el primer aniversario del fallecimiento de Dolores y celebrar su vida que anunciar al mundo el lanzamiento de su último álbum con la banda”. declaró:

Eileen O’Riordan, Dolores O ‘ La madre de Riordan.

30 años después de formarse en Limerick (inicialmente como The Cranberry Saw Us) están listos para lanzar su octavo y último álbum ‘In The End’. Con Stephen Street una vez más asumiendo las funciones de productor, el disco de once pistas trae un cierre apropiado y poderoso.

Tras reunirse a principios del 2018, los cuatro se reunieron para ensayar para la gira “Something Else” y discutían lo genial que sería escribir y trabajar en un nuevo material. En los meses siguientes se fue cristalizando ese sueño, pues se dieron a la tarea de trabajar en lo que se convertiría en In The End. En diciembre de 2017, Dolores había completado y grabado las voces para la etapa final del demo de las once canciones que aparecen en esta grabación, y habían planeado regresar al estudio para completar el álbum a principios de 2018.”

Sin embargo, sucedió el devastador e inesperado fallecimiento de Dolores en enero de 2018, así que se tomaron un tiempo y suspendieron todos los planes. A medida que pasaba el tiempo, comenzaron a pensar en la mejor forma de honrar a su amiga y compañera de banda. 

Noel Hogan, Mike Hogan y Fergal Lawler decidieron rendirle tributo a Dolores con este disco.

Acerca de The Cranberries

Gracias a las primeras canciones como “Linger” y “Dreams”, los renombrados Cranberries montaron la ola de rock alternativo de principios de los 90’s. Su música era dura para el grunge, pero también era nítida y tenue, y O’Riordan, aparentemente frágil pero con voz de sirena, cautivó a los fanáticos de la música. Aunque la banda fue bien recibida en su país de origen, Estados Unidos se los llevó (comenzando con un acto de apertura en una gira por Estados Unidos con Suede) y los dos primeros álbumes de la banda, Everybody Else Is Doing It de 1993  y So Why Can’t We? y el año siguiente No Need to Argue, vendieron millones. “Zombie”, del segundo álbum, cumplió el deseo de O’Riordan de darle al grupo una ventaja musical más fuerte. 

Incluso si sus compañeros de banda aún no lo sabían, O’Riordan era, como más tarde se llamó a sí misma, “un poco de un desastre”. Más tarde confesó que había sido abusada sexualmente por alguien en el área de Limerick, cuando ella tenía 8 años. El éxito de la banda y los lujos que los acompañaron no disminuyeron los sentimientos de odio a sí misma, y las presiones sobre la cantante, que estaba en sus primeros veinte años cuando la fama internacional llegó, fueron enormes. 

A partir de 2003, los Cranberries tuvieron una pausa de cinco años, y O’Riordan comenzó a pasar más tiempo en una pequeña ciudad al oeste de Toronto con su esposo e hijos. “La fama definitivamente no ayudó”, dice Lawler. “Su madre había querido que se convirtiera en profesora de piano o en música. Ella había ido por ese camino, ¿quién sabe? Podría haber sido más adecuado para ella.”

Pero la vida tranquila no se dió y el éxito los devoraba. “Ella trató de romper con la banda, tomarse un tiempo libre y ser ordinaria”, dice Eileen, “pero fue a la música todo el tiempo”.

Con Something Else, planeaban viajar por Europa y Estados Unidos en 2017, pero tuvieron que cancelarse debido a problemas de espalda de O’Riordan (que Mike Hogan dice que eran una hernia de disco legítima, no una excusa para el abuso de sustancias). “Siempre supimos que había algún tipo de problemas mentales allí”, dice el bajista. “Era algo en lo que teníamos que trabajar de alguna manera, especialmente cuando estábamos haciendo conciertos y cosas así, y no la presionamos demasiado“. 

El mejor homenaje sin duda será este disco, pues los integrantes restantes han declarado el enorme proceso emotivo que fue terminarlo, con todo el sentimiento que conllevaba saber que sería la última vez que estarían todos reunidos en un estudio.

Te dejamos el adelanto de una canción que por el contexto, supone mucho.

¿Por qué Mirreyes vs Godínez es un rotundo éxito en taquillas?

Por: Aída M. Castillo

Porqué los mexicanos somos una raza aspiracional, trabajadora pero también clasista y nos encanta vernos identificados en una cinta.

Chava Cartas, director de este largometraje reúne a un puñado de estrellitas que pegan, porque pegan, con una historia que vende por sí sola. En el elenco podemos ver a: Christian Vazquez, Diana Bovio, Daniel Tovar, Pablo Lyle, Regina Blandón, Roberto Aguirre, Gloria Stalina y Alejandro De Marino. ¿Pero cuál es la fórmula de una película que al día de hoy ha reunido más de 65 millones en taquilla y 1 millón de asistentes?: Los Tuppers.

Con características propias de los oficinistas, la audiencia se identifica con los personajes.

Un choque de visiones entre el esfuerzo de Genaro (Daniel Tovar), un godín alfa que ha dedicado de manera devota su vida en Zapaterías Kuri y “Santi” Santiago (Pablo Lyle), el hijo del dueño, “emprendedor” y con muchas ideas, pero ninguna realmente realizable. Y es que mientras uno dedica cuerpo y alma para que la compañía de su jefe sea exitosa, el otro disfruta de los beneficios de ella, sin mover un solo dedo.

Sucede entonces, un evento en la película inesperado, que enfrenta a Godinez, esa tribu oficinista y tan estereotipada a mantener el lugar que tanto esfuerzo les ha costado en la empresa, mientras los Mirreyes, llegan con “innovadores” pero incosteables ideas. Lo que supone una lucha implacable entre dos grupos que socialmente chocan y que saben caracterizarlos de manera excelsa en la pantalla.

La comedia la enriquece la manada de los Mirreyes, pues se presentan como personajes que lo han tenido todo y que nunca han tenido que trabajar.

Observamos, entonces que el éxito reside en el enorme anhelo de los mexicanos de ser emprendedores y económicamente independientes, de salir de las oficinas, aunque sea al cine o a Tepetongo, porque su tiempo y su vida pertenecen a otros.

Es bien fácil, subirse al tabique intelectual más pequeño que encontremos y señalar la baja calidad de la cinematografía mexicana, pero es un fenómeno mucho más complejo, aunque en México cada vez hay más cine, los mexicanos paradójicamente vemos mucho menos y eso se debe a lo enmarañado de la distribución de las películas en México, pues les dan prioridad a blockbusters hollywoodenses, mientras que títulos como “Los Adioses” de Natalia Beristain, “Nuestro Tiempo” de Carlos Reygadas, “Región Salvaje” de Amat Escalante o “Tempestad” de Adriana Huezo tiene que hacerse primero de un nombre en festivales internacionales para tener oportunidad de ser exhibidas en un puñado selecto de salas y por un tiempo risible.