‘Nuevo Orden’ – Reseña

Michel Franco presenta bajo su lupa un cuento adrenalínico que, bajo sus visuales estruendosos, esconde un mensaje que queda a la interpretación del espectador.

Por: Alex It

(izq. a der.) Naian Gónzalez Norvind, Diego Boneta y Dario Yazbek

Bien dicen que el diablo está en los detalles, y ‘Nuevo Orden’, la más reciente producción del cineasta mexicano Michel Franco, está repleta de ellos en un lienzo sobre el que se pinta principalmente una escena que en nuestro país es repetitiva: aquella en la que el poderoso hombre blanco con aires de superioridad y complejo de salvación se eleva por encima del hombre moreno o de color que toda su vida ha sido estereotipado como aquel que vive solo para servir. Sin embargo, habrá que prestar atención justamente en los detalles, pues es ahí donde radica el corazón de esta historia, una que desde el comienzo te advierte que no habrá tregua, una creciente e inequívoca ansiedad que solamente tomará velocidad hasta llegar a las últimas consecuencias usando como vehículo a sus protagonistas.

La situación es clara, en la Ciudad de México se vive una serie de protestas que implícitamente han ido escalando en proporción y violencia causando disturbios a lo largo de la ciudad. En medio del caos, una familia se dispone a celebrar una fastuosa boda en la que los invitados pertenecen a las esferas sociopolíticas más altas y privilegiadas del país; sin embargo, el miedo se hace presente y aunque se va colando de manera discreta bajo el velo de la negación, pronto se convertirá en el invitado de honor.

A la fiesta llega Rolando (Eligio Meléndez) un hombre que debe conseguir una gran cantidad de dinero para que su esposa pueda ser operada de emergencia en un hospital privada, esto como consecuencia de la saturación de los hospitales por las protestas. Y aunque Rolando era un querido trabajador de la residencia, toda la familia lo ve como una piedrita en el zapato que habrá que sacudir, todos menos Marianne (Naian González), la novia en cuestión. Marianne parece ser la única que se muestra sensible ante los hechos exteriores, o al menos consciente de que su buena voluntad puede ser de ayuda. Ella decide desesperadamente -quizás de manera exagerada- recaudar la cantidad que se necesita, optando por utilizar sus propios recursos abandonando su propia boda para ayudar a Rolando. Sin embargo, tan pronto sale de su zona de confort, los modales y las buenas intenciones salen sobrando cuando las ominosas protestan caen -literalmente- en la celebración. A partir de este momento la narrativa se entregará a un vórtice de terror y desesperanza del cual no parece haber una salida.

Nada nuevo y ningún orden…

Poco a poco, la historia recae en los hombros de personajes secundarios como los de Fernando Cuautle, Mónica del Carmen, Diego Boneta, Dario Yazbek, Patricia Bernal, y Roberto Medina, quienes intentan exprimir el mayor provecho de la situación para justificar su presencia en la película. Aún así, logran unificar de manera notable el sentimiento de terror que eventualmente los unirá, a pesar de sus obvias diferencias.

Otra característica que indudablemente veremos a lo largo de la película son los colores, principalmente el verde, utilizado como representación de las protestas. Los otros dos colores son el blanco y el rojo, plasmados en la vestimenta de Marianne, cuyo personaje pareciera ser una disculpa ejemplificada de la bondad de los privilegiados; y si hacemos la suma, entonces estos colores se relacionan directamente con la bandera mexicana. Y si Franco lo hizo a propósito o es una mera coincidencia, lo cierto es que aquí, la presencia de estos colores no brinda ni esperanza, ni pureza, ni unión, sino todo lo contrario y quizás, esa sea la intención.

Sin embargo, a pesar de las cruentas imágenes y las -algo predecibles- vueltas de tuerca, el mensaje de Franco se pierde y la historia avanza tan rápido que ella misma se mete el pie para medio caer con gracia pues el supuesto nuevo orden jamás llega a cuajar, al menos no de una manera visiblemente satisfactoria. Y aunque es cierto que en México vivimos bajo la sombra del clasismo, la desigualdad, la discriminación y el abuso de poder, pero más allá de resolverlo, la historia oscila peligrosamente entre la apología del 1% y la culpabilidad de las masas, ocasionando que quienes no se fijen en los detalles la lleguen a castigar de perpetuar estereotipos. A pesar de esto, pienso que la advertencia del filme radica en la posible peligrosidad de la militarización descabezada de un país que vive bajo un yugo corrupto del cual ni el 1%, ni la fuerza laboral, ni la clase media salen bien libradas.

Desde el lanzamiento de su tráiler oficial, ‘Nuevo Orden’ ha causado polémica en las redes sociales pues hay quienes la critican de reforzar estereotipos, especialmente aquellos que afectan a mexicanos de piel morena pertenecientes a la clase baja del país. No obstante, la historia es mucho más profunda y como lo mencioné, radica en los detalles, pues habrá que quitarnos los prejuicios para disfrutar de esta – y cualquier otra- pieza cinematográfica. La sensación de ansiedad jamás abandonó mi butaca y la tristeza llegó al darme cuenta de que lo aquí retratado, posiblemente en menor amplitud, ha sido la realidad de muchos mexicanos, víctimas de un sinfín de injusticias, siendo el abuso de poder y corrupción las más grandes de ellas.

En conclusión, el filme termina siendo una obra que a simple vista se pinta de una anécdota violenta de ricos contra pobres, pero que, en el fondo, trata de advertir sobre un mayor peligro que podría afectar a todos sin importar el color de piel o estatus socioeconómico.

‘Nuevo Orden’ no se debe ver para salir con la respuesta de cómo evitar que el país caiga en una explosión social, sino como una experiencia que te mantendrá al borde de tu asiento de principio a fin.

Los tiempos cambian. El deber perdura.

Mientras la reina Elizabeth II se enfrenta a una Gran Bretaña que cambia rápidamente, su familia continúa luchando contra las necesidades de la monarquía y los deseos de sus vidas personales fracturadas.

The Crown cuenta con la actuación de Olivia Colman como la reina Elizabeth II, Helena Bonham Carter como la Princesa Margarita, Tobias Menzies como el Duque de Edimburgo, Josh O’Connor como el Príncipe Carlos, Erin Doherty como la Princesa Anne, Ben Daniels como Lord Snowdon, Jason Watkins como el Primer Ministro Harold Wilson y Charles Dance como Lord Mountbatten. 

La tercera temporada de The Crown se estrena globalmente el domingo 17 de Noviembre.

No te la pierdas solo en Netflix.

“Tanto”, el amor invade a Jesse y Joy, junto a Luis Fonsi.

Por: Aída M. Castillo

Los sueños se cumplen. Así lo demuestran los hermanos Jesse y Joy, quienes desde 2005 han logrado una trayectoria bastante sólida, interpretando con maestría géneros como: el pop rock, el folk, el soul, el hip-hop y últimamente el urbano, cuentan con 4 álbumes de estudio, un Premio Grammy a Mejor Álbum Latino y 6 Premios Grammy Latino en diversas categorías.

El dueto participó recientemente en la XVII Cumbre de Premios Nobel de la Paz.

“Tanto” es el nuevo single que presentan junto a Luis Fonsi, siguiendo con las colaboraciones, pues en septiembre pasado también expusieron “Infinito” junto a Andrés Cepeda, mientras que a principios de año lanzaron “Mañana is too late” junto al colombiano J Balvin. Todo esto, como introducción a lo que parece un gran álbum.

El videoclip lanzado el viernes pasado, ya supera las 5 millones de reproducciones.

Una balada pop para expresar los sentimientos y confesar amor, que surgió de un coqueteo laboral y una gran amistad, confesaron a los medios. El dueto mexicano que traspasa fronteras, ha sacado despaaaaaciito los tracks que conforman su nuevo álbum y que estará disponible en 2020.

Joy Huerta se considera bastante cursi, contrario a lo que canta.

“Tanto” producido por Jesse, Martin Terefe y Charlie Heat es el nuevo tema que combina a la perfección y destaca las virtudes individuales de los tres.

Cuando decidieron que “Tanto” iba a ser su siguiente sencillo, lanzaron en redes sociales el reto “Valientes” para animar a sus seguidores a expresar sus sentimientos. Dando como resultado el hashtag: #QuieroDecirteTanto que se viralizó rápidamente.

¿Pero por qué nombrarlo “Valientes”? Lo titulamos así porque hoy en día las redes sociales se prestan más para dar mensajes de odio y de crítica y cosas que no suman, sino restan, declaró Joy.

El dueto es sensible a causas como el medio ambiente, los inmigrantes y la equidad de género, y por ello buscan generar conciencia entre sus seguidores.

Tras haber sido madre, Joy confesó que su sensibilidad y manera de componer canciones cambió. “Definitivamente me siento mucho más sensible al entorno y susceptible. Si antes teníamos responsabilidades, ahora más”, sostuvo Joy.

‘Joker’, una mirada única hacia la psique de un paría social

Joaquin Phoenix otorga una interpretación excepcional como el villano más interesantes de nuestros tiempos.

Por Alex It.

La magistral interpretación de Heath Ledger como un Joker despiadado en ‘The Dark Knight’ dejó al mundo con sed de más, y fue hasta el 2016 que las expectativas por ver a Jared Leto en pantalla grande tomar la estafeta llegaron a su máximo punto… para caer estrepitosamente gracias a una desafortunada edición y casi nula presencia del personaje en ‘The Suicide Squad’. Así que cuando Todd Phillips anunció el título de ‘Joker’ como su propia versión sobre los origines del villano, hubo muchas opiniones encontradas y las expectativas se manejaron de manera reservada, hasta hace un par de meses.

Cuando el primer teaser de ‘Joker‘ vio la luz, las expectativas volvieron a subir pero ahora, con justificación. Ya se sabía que el incomparable Joaquin Phoenix se pintaría el pelo de verde, y aunque nadie duda de sus dotes actorales, fue un alivio ver que la película sería todo menos una parodia de sí misma y que de algún modo, se conjugaría poco con la narrativa del Caballero de la Noche. Fue ya para el trailer final y su victoria en el Festival de Venecia que se sabría que, no solamente la ejecución del personaje sería una obra maestra, pero que la película en sí podría bien ser una de las mejores -sino es que la mejor- del año.

Tomando como inspiración -más no estrictamente basada en- el cómic ‘The Killing Joke’, y las pelis ‘The King of Comedy’ y ‘Taxi Driver’ (Martin Scorcese estuvo atado como productor en algún punto) ‘Joker’ se dedica enteramente a estudiar la psique de Arthur Fleck, un hombre con una condición mental que es constantemente repudiado por la sociedad y todos aquellos seres cercanos a él, o casi todos. Es cuando llega a su punto más bajo que no ve otra manera de seguir adelante más que darle rienda a sus frustraciones para abrirse paso a través de un túnel oscuro y hacia la luz, si es que existe.

Ambientada a finales de los 70’s, Ciudad Gótica se encuentra en su peor punto: basura, ratas y austeridad están por doquier, las calles también están infestadas de ellas. Ahí, Arthur Fleck (Phoenix) es un hombre que vive con una condición crónica que dispara una risa incontrolable en momentos de ansiedad, ¿su medicina? trabajar como payaso en donde quiera que se le dé una oportunidad. ¿Su sueño? ser el mejor comediante del país y tener su propio show, como su ídolo Murray Franklin (Robert DeNiro, exquisito como siempre). Sin embargo, sus sueños no serán más que una mera ilusión pues la realidad es otra; pues desde los créditos iniciales nos damos cuenta que Arthur es el chiste en sí, y no uno muy bueno pues no toma más que un puñado de pubertos para ponerlo en su lugar, sólo porque se les da la gana.

Arthur vive con su madre Penny (Frances Conroy) una mujer de edad avanzada que requiere cuidados y atención, dependiendo de su pequeño ‘Happy’ irónico apodo que le da a su hijo. Él por su parte, la atiende con el cariño y respeto debido. A la par, el empresario Thomas Wayne (Bret Cullen) lleva a cabo una campaña para convertirse en el próximo alcalde de Ciudad Gótica, prometiendo erradicar la desesperanza y pobreza, algo que como el sueño de Arthur, parece imposible. Y es así que Arthur se levanta para enfrentar el día a día con la mejor sonrisa.

Sin embargo, esto no es un cuento de hadas y la misma desesperación de Arthur por protegerse del mundo cruel, lo llevan a perder su trabajo, aprender verdades dolorosas y finalmente volverse presa de sus más bajos instintos para sobrevivir, más para desatar sus represiones, pero sobretodo sobrevivir. Y después de un fatídico encuentro con un trío de pelafustanes de Wall Street, su vida no será la misma y la de Ciudad Gótica tampoco.

Es así que poco a poco la verdadera naturaleza de Arthur comienza a salir a flote y las cosas se tornan peligrosas. Y no solo para los habitantes de Gótica, sino para la audiencia también porque hasta cierto punto entiendes el por qué de sus acciones. Sin embargo, se debe tomar más como una advertencia que como una empatía, y aunque Phillips y Phoenix han dejado claro que su intención nunca ha sido hacer apología de la violencia, uno no puede dejar de ver reflejada la realidad de tantas personas que bien el ‘Joker’ podría ser cualquier vecino o amigo.

También es cierto que la condición de Fleck, más el excesivo abuso de la sociedad en un mundo ficticio lo empujan directo al abismo, y su discurso no es más que el victimismo de un hombre que no supo lidiar con los problemas de la vida. Ahora, entenderlo así y saber que el querido Guasón no es más que un personaje, ayuda a saborear el filme de la mejor manera.

Sin duda la película arrasará en la próxima temporada de premios, por lo pronto con las nominaciones, pues la fotografía de Lawrence Sher (War Dogs) y las partituras de la oriunda de Islandia, Hildur Guðnadóttir (Sicario: Day of the Soldado) son realmente magníficas, sin dejar pasar el atinado diseño de producción y la gloriosa dirección de Phillips. No debería sorprender que Joaquin Phoenix llegue hacía un bien merecido -y ya tardado- Óscar por su actuación.

Poco hay por spoilear, pero tampoco sería justo contar un desenlace que se vive de manera exquisita con cada toma e interpretación de un reparto fantástico, un excelente guión y la visionaria dirección de Todd Phillips. Lo que sí hay que contar es que ‘Joker’ será definitivamente un parteaguas para el mundo del cine y los cómics, al igual que en esta ocasión, tus expectativas pueden estar tan altas como quieras, pues Joaquin Phoenix no solo las cumple, sino que las excede.

“Ad Astra: Hacia las estrellas”, Brad Pitt navega hasta Neptuno para encontrarse a sí mismo.

Cuando vamos al espacio, ¿cuánto equipaje deberíamos llevar con nosotros? La pregunta se cierne sobre Ad Astra de James Gray, un fascinante drama de ciencia ficción que nos lleva a un futuro donde la humanidad ha comenzado a colonizar el sistema solar y las estrellas han comenzado a perder algo de su brillo. 

Entre puestos de Applebee’s, Subway’s y recuerditos de la luna, así como vastas tierras de nadie gobernadas por compañías mineras rivales y piratas. Las colonias marcianas parecen proyectos monumentales de viviendas espaciales, y vislumbramos perros deambulando por sus corredores de hormigón sin ventanas. Lo que podría responder, por qué el ser humano aún no ha llegado al espacio sideral.

Sin embargo, Roy McBride (Brad Pitt) todavía es un creyente, aunque está en una crisis de fe. Un astronauta nato con nervios de acero y un pulso que nunca supera los 80 lpm, Roy es una figura reflexiva (narra gran parte de Ad Astra en voz en off), pero también algo así como un astronauta estoico, bifurcado, que a veces sugiere que el verdadero parentesco de la película, no es con los filosóficos viajes cósmicos o las historias de ciencia ficción duras a las que se parece exteriormente, sino con la aventura clásica.

En la luna, intercambia disparos mortales con los piratas antes mencionados, mientras sus carritos corren hacia su convoy en silencio lunar.  El espacio en sí mismo no es un picnic. La cámara de Hoyte van Hoytema, transmite con una mezcla de austeridad y fascinante inquietud: interiores de naves espaciales vacías, vastos anillos planetarios, lagos subterráneos marcianos turbios, reflejos distorsionados en visores de casco recubiertos de oro. 

Aquí hay asombro y misterio palpables, sin embargo, la amenaza de desesperación suicida nunca se queda atrás. Las drogas del humor, son raciones estándar para los transportistas de larga distancia del Comando Espacial de los Estados Unidos, o SpaceCom; de igual forma, las evaluaciones psicológicas automatizadas son parte del día de trabajo de un astronauta. Más tarde, en un puesto de avanzada marciano, veremos un cartel que dice: “Asesoramiento en caso de crisis: hay esperanza, haz la llamada”, imitando la redacción y la apariencia de la señalización que cuelga a lo largo del puente Golden Gate.

Podemos ver la depresión arrastrándose a través del frío exterior de Roy. Su vida ha sido vivida a la sombra de su padre, el legendario H. Clifford McBride (Tommy Lee Jones), quien dejó la Tierra para siempre cuando Roy estaba en su adolescencia y luego desapareció, presumiblemente muerto, junto con el resto de la tripulación de El Proyecto Lima, una misión a los confines del sistema solar que buscaba signos de vida inteligente alrededor de estrellas distantes. Roy mismo se ha convertido en un hombre profundamente retraído, sin nada a lo que regresar en su planeta natal, aparte de un matrimonio fallido. La actuación es una de las más sutiles (y fácilmente la más taciturna) de la carrera de Pitt, en gran parte transmitida a través de los cansados ​​ojos de su personaje.

La secuencia de apertura proporciona dosis iguales de ingenio científico y acrofobia, mientras observamos a Roy subir a los peldaños de un mástil de antena que se eleva millas en la atmósfera superior. Entonces todo comienza a crujir, la megaestructura delgada se desmorona y Roy se encuentra cayendo en picado. Resulta que la Tierra ha sido golpeada por una explosión electromagnética que ha causado estragos y ha matado a decenas de miles en el suelo. (Roy tiene la suerte de salirse con la suya en el hospital.) Pero, por supuesto, hay más: el aumento de poder en todo el planeta parece haber sido un ataque deliberado, que se originó en algún lugar de la órbita de Neptuno, el último lugar conocido del Proyecto Lima. SpaceCom, de hecho, ha llegado a creer que H. Clifford McBride no pereció hace tantos años en la búsqueda de la ciencia, pero de hecho está muy vivo.

Todo esto es, en cierta medida, un territorio familiar para Gray, un cineasta magistral cuyas películas se definen en parte por sus héroes defectuosos e insatisfechos y cuya última película, la quijotesca y magistral The Lost City Of Z, retrató una obsesión con lo desconocido, a diferencia del que mostró el anciano McBride en sus últimos mensajes grabados. Ahora, las distancias entre sus personajes son literalmente astronómicas, con un lienzo que abarca el sistema solar junto con nuestros sueños colectivos, debilidades y deberes existenciales. 

Pero uno no puede sacudir la impresión de que Ad Astra , la producción más grande y costosa de los casi 25 años de Gray como director, llena de efectos espectaculares ejecutados con un sentido de escala y velocidad, es de alguna manera una de sus películas más minimalistas. , y no solo por su mise-en-scène militarmente rígida. 

La única relación que realmente importa es entre Roy y Clifford, un personaje que aparece principalmente en viejas grabaciones de video. Sin embargo, la película está lejos de ser claustrofóbica. Más bien, envuelve el viaje personal de Roy hacia tierra incógnita en un diseño más grande, convirtiendo gradualmente las ironías humanas en cósmicas, trazando paralelos entre el espacio interior y el exterior. Incluso las piezas del set, que son a la vez evocativas y eficientes, son todos crisoles. 

¿Pero dónde está todo este edificio? Los finales de las mejores películas de Gray han variado desde la melancolía hasta la trascendencia trágica, pero Ad Astra nos permite reflexionar que hasta el más duro, necesita nutrirse de su entorno, y que a veces no encontrar nada, es también descubrir algo, es una nota de esperanza improbable a través del vacío inseguro: esto es todo. Esto es todo lo que hay.

‘Lucifer’ regresa del infierno rescatado por Netflix

Fox envió la serie “Lucifer” al limbo de cancelación, y Netflix decidió resucitarla con una nueva temporada, aunque con un menor número de capítulos.

Por: Aída M. Castillo

En caso de que no seas uno de los fanáticos devotos que oraron por la intervención divina para rescatar a “Lucifer”, esta es la premisa. (#SaveLucifer) Lucifer era un ángel perfectamente decente, solo, como la Biblia dice de él: “Tu corazón se enorgulleció por tu belleza y corrompiste tu sabiduría debido a tu esplendor”.

Bueno, dicen que el orgullo te mata. El ángel engreído y rebelde fue expulsado del cielo y enviado a gobernar el infierno. Sin embargo, Satanás, El Maligno, Mefistófeles, Belcebú, El Ángel Caído, El Señor del Infierno o sea Lucifer (Tom Ellis) se cansa de la vida en el infierno, se materializa en la Ciudad de los Ángeles, donde ayuda a la policía local a encontrar y castigar a los malhechores en esta adaptación televisiva del cómic de DC, mientras es dueño de un club nocturno llamado LUX junto a su gran amiga y confidente Mazikeen (Lesley-Ann Brandt).

En la Ciudad de Los Ángeles, él no es nadie.

Todo va relativamente bien, concede favores a la gente, disfruta de los excesos y los placeres que concede la vida mundana, hasta que se ve envuelto en la escena del crimen y conoce a la detective Chloe Decker (Lauren German) que literalmente se vuelve su perdición. Empieza a colaborar como consultor en la polícia civil. Es una gran ayuda porque puede hacer que las personas hablen sus deseos ocultos. 

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Todos tenemos una vulnerabilidad, incluso el diablo.

La temporada de 10 episodios, que salió a principios de este mes, se abre con un resumen ingenioso de los últimas tres temporadas, y luego desaparece. Los crímenes deben resolverse, y las cuestiones religiosas y morales deben medirse mientras Lucifer se pregunta si él es innatamente malo.

Pueden existir amantes o detractores de esta serie fantástica que incluso raya en la comedia dramática, al introducir personajes mitológicos como ángeles y demonios en la vida cotidiana, pero la serie también maneja muy bien los contrapesos con la ayuda de la Dra. Linda Martin, una psicoterapeuta que inicialmente acepta favores sexuales a cambio de terapia, pero después se convierte en gran amiga y confidente del clan maligno.

La humanidad de Lucifer Morningstar radica en su incapacidad de aceptarse como “monstruo” y la vulnerabilidad que Chloe Decker, le produce, a tal grado de volverse mortal, al estar cerca de ella. Sí, no hay duda de que es un tipo hedonista y narcisista que busca todo beneficio para sí mismo, pero cuanto más pasa el tiempo, más busca deshacerse de ese egoísmo y entre broma y broma, seducir a Chloe, pero se da cuenta que sus poderes no funcionan con ella. Por el contrario, se vuelve finito, sangra cuando está cerca de ella.

El punto más álgido de la transformación de Lucifer, es cuando, al darse cuenta que no podrá estar con Chloe, trata de llenar ese vacío casándose con una striper de Las Vegas y regresa a sus viejos y tóxicos hábitos que se plasmarán también en su apariencia física. Lo que en un momento hace que Chloe se asuste de aquello que siempre ha sabido, y se aleje, lo que destroza a Lucifer. El amo del Infierno se siente solo, rechazado y asustado.

Esta serie nos demuestra que no existe el blanco y negro, sino una gran variedad de matices enmedio, que por más imposible que sea, hasta los mismos seres celestiales tienen miedos, dilemas, pero lo más importante: ganas de ser amados y aceptados. ¿Habrá temporada 5 de esta serie?

Godzilla, El Rey de los Monstruos

La mítica criatura regresa para enfrentarse a un nuevo monstruo en una batalla que pone en riesgo a la humanidad.

Por Alex It.

Atrás han quedado los monstruos que daban miedo, hoy en día es muy raro que una criatura amorfa provoque algo más que curiosidad y morbo. A las audiencias de hoy les da más miedo perder seguidores en instagram que un quasi-dinosaurio destruyendo una ciudad entera; es más, ni atención prestan a la pantalla grande. Es por eso que se aplaude el esfuerzo de Waner Bros. por crear, no solamente un filme sobre el -posiblemente- monstruo más famoso del mundo, sino todo un universo cinematográfico al rededor de este y demás compañeritos.

Godzilla lleva escondido casi 5 años en los océanos.

Han pasado 5 años desde que Godzilla irrumpiera en la ciudad de San Francisco destruyendo todo a su paso y ahora, el mundo entero está consciente de su existencia. Sin embargo, otros pocos han descubierto que Godzilla no está solo, pues escondidos en distintos parajes del mundo, un sinfín de extrañas criaturas duermen profundamente esperando el llamado que los invite a salir a explorar de nuevo el planeta que alguna vez les perteneció enteramente.

Y quien más sabe al respecto es la Dr. Emma Russell (Vera Farmiga), quien después de haber perdido a su pequeño hijo gracias a la catástrofe de San Francisco, se ha dedicado a estudiar, localizar y hallar la manera de comunicarse con Godzilla y demás criaturas; sin embargo, Madison (Millie Bobby Brown), su hija adolescente, está preocupada por su obsesión con el tema. Aún así, logra aprender y tratar con lógica este asunto, pues ambas viven en una base científica en China, donde una criatura de nombre Mothra (algo así como una polilla gigantesca) se encuentra en proceso de romper el cascarón, por así decirlo. Como es de esperarse, Mothra nace y con ella la revolución de un centenar más de monstruos ansiosos de ver la luz de nuevo.

Millie Bobby Brown y Vera Farmiga como Madison y Emma Russell respectivamente.

Esto no es coincidencia, pues hay seres humanos que creen que una purga a manos, perdón -garras- de estos seres míticos es necesaria para, a largo plazo, preservar a la humanidad. Obviamente es el ser humano quien se pone el pie así mismo, pero no todos somos tan malos. Gente como Mark Russell (Kyle Chandler), padre de Madison y ex de Emma, entra a escena para aliarse con quienes se presten a arriesgar su vida y así aliarse con Godzilla para mantener a raya a los demás monstruos.

La película se aleja de su antecesora, pues aquí efectos especiales hasta para llevar, mientras que una historia inteligente o interesante se queda completamente de lado. Pareciera que todo es un pretexto gigante para ver escombros y destrucción por doquier sin razón alguna; aún así, los monstruos no dejan de ser admirables, especialmente Gidorah, una criatura despiadada de 3 cabezas, esto logra rescatar un poco la intención de la historia. México tiene una aparición especial, por cierto.

Gidorah es el nuevo enemigo que pretende robar el trono a Godzilla.

No cabe duda que menos es más, un dicho que no llegó a los oídos de la producción. Sin embargo, funciona como una perfecta palomera que, sin duda alguna, deja el camino claro para lo que se viene el próximo año – Godzilla vs. Kong-. Y como lo mencioné en un principio, es admirable que se quiera rescatar la monstruosidad en las películas, aunque por momentos salga a relucir que los verdaderos monstruos son aquellos productores que solamente quieran vender.

Shazam!, un giro fresco y divertido para el DCEU

Otro hito para DC, que parece encontrar su camino a través de este simpático superhéroe

Por Alex It.

Estamos a nada de presenciar uno de los desenlaces más esperados en la historia cinematográfica, por supuesto que hablamos de Endgame; y aunque Marvel tiene un futuro asegurado y promete continuar, no sabemos si tendrá el mismo efecto que la década y cachito pasada tuvo en nosotros. Lo que sí sabemos, es que DC tiene muchas áreas de oportunidad, y al menos, de un Aquaman para acá, ha cambiado su dinámica para caerle mejor a una audiencia exigente. Y ese es justo el caso con Shazam!, la producción más reciente de Warner Bros. y DC que explora la creación de un superhéroe cuyos poderes se asemejan a los de las míticas deidades de Salomón, Hércules, Atlas, Zeus, Aquiles y Mercurio… o séa Shazam!

Aunque este personaje ha atravesado por distintas fases desde su primera aparición por allá de 1940, entre ellas el cambio de nombre de Captain Captain Marvel a Shazam! o la transición de Fawcett Comics a DC; en la cultura popular, se ha logrado perderse entre tantos de sus primos, especialmente Superman y Batman, pero el momento de ser reconocido justamente ha llegado y vaya que lo hace de manera sorprendente.

Shazam! en la versión The New 52 de DC Comics.

Basada en el reboot de la línea The New 52 de DC Comics, la peli comienza narrando la historia del pequeño Thaddeus Sivana, quien una noche fría de 1974 va en el automóvil con su hermano mayor y su padre, cuando de la nada es transportado a una dimensión alterna en un paraje llamado la Roca de la Eternidad, donde un viejo hechicero (Djimon Hounsou) lo pone a prueba para ver si es digno de ser el nuevo portador de sus poderes; sin embargo, las fuerzas oscuras -representadas aquí por los 7 pecados capitales- logran corromperlo y el hechicero lo envía de vuelta al automóvil, donde el pequeño Thaddeus hace un berrinche y las consecuencias para todos son trágicas.

Corte a la época actual, un joven Billy Batson (Asher Angel) pasa sus días en las calles de la ciudad de Filadelfia buscando pistas que lo lleven a encontrar a su madre biológica, de quien es separado cuando es apenas un pequeño niño y desde entonces, ha rebotado de una casa adoptiva a otra. Sin embargo, su última desventura con un par de policías lo llevan a ser colocado por una vez más con otra familia adoptiva encabezada por Rosa y Victor Vasquez (Marta Milans y Cooper Andrews).

Asher Angel y Jack Dylan Grazer interpretan a Billy Batson y Freddie Freeman respectivamente.

En la casa de los Vasquez, Billy es recibido con mucho ánimo por sus hermanos adoptivos: Pedro (Jovan Armand), Darla (Faithe Herman), Mary (Grace Futlon), Eugene (Ian Chen) y Freddy (Jack Dylan Grazer) -todos excepcionales-, quien termina siendo su compañero de cuarto y mejor amigo, pero a pesar de los cálidos elogios por ser el nuevo hermano mayor, Billy está dispuesto a huir una vez más, no sin antes defender a Freddy de un par de bullys escolares, donde una persecución lo lleva a tomar refugio en el subterráneo, donde su siguiente parada es en nada más y nada menos que la Roca de la Eternidad.

Cabe mencionar que para este momento, Thaddeus, ahora un prestigiado doctor (Mark Strong), ha encontrado la manera de llegar a la Roca y ha usurpado los poderes malignos, dejando al hechicero en un estado completamente deteriorado, mientras que Thaddeus está en un camino de venganza y sed de poder; así que cuando Billy llega, el hechicero no tiene más remedio que otorgarle los poderes, y hacerlo jurar que los usará para el bien de la humanidad. Billy acepta y es cuando Shazam! (Zachary Levi) tiene su primera aparición.

Zachary Levi desminitó los rumores sobre el retoque digital para su cuerpo musculoso subiendo un video a rede donde mostraba parte de su entrenamiento.

Billy, sin saber a ciencia cierta qué rayos acaba de suceder, confía plenamente en Freddie para descifrar sus nuevos poderes y de pasada, vivir situaciones que más allá de brindar paz y justicia, sirven para reforzar los lazos fraternales entre ambos. Claro está que una vez que Sivana se percata de la existencia de Shazam, se propone a robarle sus poderes a como dé lugar, y es ahí cuando la dinámica de un adolescente con juguete nuevo transiciona a la de un adulto que debe responsabilizarse y madurar.

Mark Strong interpreta al Dr. Sivana.

Y precisamente esa transición, es la que nosotros como audiencia, disfrutamos y empatizamos con, pues el diálogo se mantiene fresco y divertido, cayendo de manera cuidadosa en esos clichés que son difíciles de evitar, pero que atraviesa de manera triunfante; sobre todo en cuanto al tema de la familia se refiere.

De entre todos los candidatos al protagónico – John Cena, Billy Magnussen y Zane Holtz– Zachary Levi queda muy atinadamente como el superhéroe adolescente atrapado en el cuerpo de un adulto, mientras que Jack Dylan Grazer ( It ) se roba la película de manera contundente, algo así como un Adam Brody miniatura (wink, wink). Y es justo la química entre ambos que hace que nosotros queramos pertenecer a ese dúo dinámico.

La dinámica entre Levi y Grazer es excepcional.

Las escenas de acción en la película son bastante buenas, especialmente durante el desenlace, pues es precisamente cuando la familia está dispuesta ayudar, que los poderes de Shazam realmente relucen. Y la lección está ahí, pues más que un llanero solitario, la fuerza de este superhéroe reside en el trabajo en equipo, brindando una resolución a Billy, quien por fin, se puede sentir parte de un hogar.

Con una secuela confirmada, posiblemente Shazam! se convierta en una de las joyas más preciadas de DC -inclusive podría ser la mejor película del DCEU si no fuera por Wonderwoman-  pues, a pesar de una que otra pequeña falla en los detalles, es justo este tipo de unificación orgánica entre humor, acción y sentimentalismo que sirve como fórmula para entregar un hitazo.

Ojalá que futuros proyectos vengan cargados con la misma simpatía y enjundia que Billy evoca cada vez que grita Shazam!

La Casa de Papel: Parte 3, las vacaciones han terminado

¡Habemus fecha para la esperada 3ª parte de la producción española que conquistó miles de corazones!

Se acabaron las máscaras, los ladrones triunfaron.

Álvaro Morte que da vida a El Profesor, un misterioso intelectual de un crimen que parece perfecto, reclutando a un grupo de ocho ladrones que toman rehenes y se encierran en la Casa de la Moneda Real de España, mientras él manipula a la policía para llevar a cabo su plan.

Nairobi y Moscú se la están pasando bomba antes de hacer nuevas fechorías.

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Después del éxito global de la Parte 1 y la Parte 2, El Profesor desarrolla nuevos atracos que se darán a conocer en julio. Morte dijo anteriormente que estaba “abrumado” por la popularidad mundial de la serie y se sorprendió al encontrar personas en Argentina con su rostro tatuado en el cuerpo.

El Profesor y la Detective Raquel Murillo viven un amor ilegal y clandestino.

Creada para Antena 3 en España, la serie debutó en Netflix a nivel internacional en diciembre de 2017. ¿Están listos para la tercera parte, el 19 de julio?

Nuevos posters de Avengers: Endgame con la leyenda ‘Avenge the fallen’

El MCU pone las expectativas a tope con nueva serie de posters

A tan sólo un mes del estreno de una de las películas más esperadas de la historia, la expectativas son altas y el día de hoy, Marvel ha develado posters clave de los superhéroes, haciendo un recuento de quienes sobrevivieron a la furia de Thanos… y quienes no.

Aquellos que están a color son lo que están a cargo de vengar a la humanidad, mientras que aquellos en blanco y negro son los que se han esfumado -literalmente-. Entre las caras de los caídos se confirma que Shuri ha desaparecido, disipando así los rumores sobre su participación como la nueva Pantera Negra, mientras que se reafirma la aparición de una Capitana Marvel lista para el combate.

Además, Kevin Feige -productor- ha confirmado que Avengers: Endgame será hasta ahora la película de Marvel con mayor duración al contar con exactos 182 minutos; ‘muchas películas duran 90 minutos, y pueden parecer 4 horas… para nosotros, cada edición de Endgame se siente bien para nosotros.’ – dice.

Así que ve preparando las cubetas de palomitas y chécate los icónicos posters. ¿Cuál es tu favorito?

Call Me By Your Name tendrá una secuela oficial -en papel, al menos-

La novela tendrá lugar 20 años después de los eventos de la primera parte.

Por Alex It.

Si aún sigues pensando en veranos en Italia y duraznos rellenos – yum- ¡no temas más! pues se ha confirmado la fecha de lanzamiento de la segunda parte de la aclamada novela Call Me By Your Name, que llevará por título Find Me y estará disponible en todos sus formatos el próximo 29 de octubre. Y aunque no te aseguramos que esta secuela tenga frutas o clásicos ochenteros, sí podemos augurar una historia bastante interesante que promete enamorarnos para luego romper nuestros corazones de nuevo.

Hammer y Chalamet en una escena de la película.

La sinopsis oficial – según la editorial Farrar, Straus and Giroux- dice así:

‘En Find Me, Aicman nos muestra a Samuel, el padre de Elio, divorciado en un viaje de Florencia a Roma para visitar a Elio, quien se ha convertido en un talentoso pianista clásico. Un encuentro del destino en el tren cambiará la vida de Sami definitivamente. Elio pronto se muda a París, donde él también tiene un amorío consecuente, mientras que Oliver, ahora un profesor de Nueva Inglaterra, con hijos que han crecido, se encuentra contemplando un viaje de regreso a Europa.’

Michael Stuhlbarg, Timothée Chalamet y Armie Hammer.

En diciembre del año pasado, a través de un tuit muy directo, el autor André Aicman reveló que estaría escribiendo una segunda parte a raíz del fenómeno que la adaptación cinematográfica de su antecesora había dejado en miles de seguidores, pues no solo dio un referente visual al romance entre Elio y Oliver, sino robó los corazones todos por igual gracias a la gratificante actuación y belleza de los protagonistas Timothée Chalamet y Armie Hammer, Elio y Oliver respectivamente.

Durante la temporada de premios el año pasado, Luca Guadagnino -director- al igual que Chalamet y Hammer se pronunciaron a favor de una secuela gracias a las críticas positivas y buena recepción del público; sin embargo, en una entrevista reciente para Vulture, Hammer se dice indeciso sobre filmar una segunda parte pues: ‘no sabe si (la segunda parte) vivirá para ser igual que la primera.’

Aún así, como lectores tendremos el privilegio de saber qué sucede con las vidas de Elio y Oliver, así como descubrir si su romance veraniego volverá a resurgir, inclusive 20 años después… no podemos quejarnos.

La magia literaria de Sabina Berman llega al Teatro Helénico con “Ejercicios Fantásticos del Yo”.

El escritor portugués Fernando Pessoa, se preguntó si su Yo era algo real. No, se dijo. Mi Yo es un cuento que me cuento Yo a mí mismo sobre quién soy Yo. Así que Pessoa decidió que no tenía por qué conformarse con ser un solo Yo, podía ser tres Yos, cada uno distinto, nacido en otra fecha y otro lugar, con distintos gustos, talentos, signo zodiacal, preferencias sexuales y género sexual.

Un día en que se le presentaron varias tareas de gran responsabilidad, Pessoa decidió convertirse en 33 Yos. Ese día es el que Sabina Berman cuenta en su hilarante comedia Ejercicios Fantásticos del Yo. Berman trasluce en su narrativa una fascinación por la figura de Pessoa, un ilustre de la literatura universal, pero ante todo hace un retrato indirecto de NOSOTROS, los que hoy vivimos en la era digital, con un Yo que sabemos sin un asidero en la Naturaleza o en el Cielo: nosotros que a través de las redes sociales podemos jugar continuamente a reinventarnos, nosotros cuya inconsistencia es un enorme privilegio y también una fuente inagotable de angustia.

Con un elenco formidable y diverso: Moisés Arizmendi, Nora Huerta, Hernán del Riego, Fernando Bonilla, Alfonso Cárcamo, Sonia Franco, Hamlet Ramírez y Jyasú Torruco.

El Centro Cultural Helénico albergará la magia de Ejercicios fantásticos del yo los viernes a las 20:30 horas, sábados a las 18:00 y 20:30 horas, y domingos a las 18:00 horas, en el Teatro Helénico. Los boletos tienen un costo de $400, $350 y $200. Actualmente hay una preventa del 50% hasta el 21 de marzo. La temporada será del 16 de marzo al 5 de mayo.

Existe además un precio especial de $100 pesos para los que presenten su credencial Gente de Teatro del INBAL. Las localidades están disponibles en la taquilla del Centro Cultural Helénico ubicado en avenida Revolución 1500, col. Guadalupe Inn. 

David Harbour quien da vida a “Hellboy” visitó México

El reinicio de la saga no tiene un hilo conductor con Hellboy (2004) y Hellboy 2: El Ejército Dorado (2008), protagonizadas por Ron Perlman y dirigidas por Guillermo del Toro, esta vez la historia se basa principalmente en los cómics de Mike Mignola.

David Harbour, que se popularizó por su papel como Jim Hopper en Stranger Things, aseguró que le brindó cierto alivio el saber que no se trataba de imitar nada, ni de quitar peso o poder a las películas anteriores, sino simplemente revivir un personaje que muchos aman.

“Lo que siempre disfruto (de los personajes) es la parte psicológica, los problemas internos, los que te demuestran una identidad, porque necesitas de ciertos sentimientos, emociones que no se pueden controlar que te hacen sentir tal vez fuera de sí, y es algo que todos en algún momento han sentido, pero es una parte muy divertida de hacer este trabajo”, dijo.

Harbour mencionó en conferencia de prensa, lo que más le gusta de encarnar a un personaje.
Las expectativas para los más fanáticos son altas, y David Harbour espera cumplirlas con mérito propio.

Confesó sentirse dudoso de realizar la película, cuando le enviaron el guión, sin embargo el director, Neil Marshall le convenció porque existía una nueva forma de contar esta historia, comentó Harbour en conferencia de prensa.

“Es como en Batman, Tim Burton lo muestra de cierta forma, mientras que Christopher Nolan lo adapta a su estilo y tiempo. Reinventar una historia y mantenerla viva es lo que alivió de cierta forma mi ansiedad, cuando me explicaron de qué iba, me emocioné porque creo que es divertida como el infierno.

Precisamente esa libertad del personaje es lo que le permite arriesgarse y encontrar otros sentidos.

Para dar vida a Hellboy, David Harbour tuvo que realizar un duro entrenamiento físico, pero confesó algo. “Como pueden ver, tengo un cuerpo increíble, es realmente extraordinario. De verdad quisiera mantener el mito de que ese es mi cuerpo, pero desafortunadamente tendré que decir la verdad… ¡ese no es mi cuerpo!”, bromeó el actor con un tono afligido.

El actor se mostró bastante accesible ante la prensa mexicana.

David Harbour se dice afortunado por la carrera que ha desarrollado, pues ha sido precisamente en los últimos años donde ha logrado posicionarse en el gusto del público. “No creo que hayan escuchado de mi antes de Stranger things, pero créanme que he estado en este negocio desde hace mucho tiempo”, dice.

Sin embargo no tiene expectativas sobre cómo Hellboy pueda impactar en un futuro. “Cuando casi cumplía 30 hice una película y todo el mundo me decía que mi vida cambiaría, pero nada pasó. Y luego con Stranger things no tenía expectativas y mi vida cambio completamente. Por eso nunca pienso en eso, porque no entiendo el mundo de esa forma. Tengo mis propias opiniones e ideas de lo que me gusta o no y el mundo rara vez coincide conmigo. Así es que ya veremos”, finalizó.

Estamos seguros de que Hellboy, será un gran éxito y construirá un nuevo imperio, en el infierno.

Avengers: Endgame, nuevo trailer y póster

¡Los Avengers regresan para ponerte la piel chinita!

El día de hoy, Marvel ha decidido aliviar nuestra impaciencia y ha lanzado, no solamente un póster digno de ser enmarcado, sino también un trailer épico que te dará ¡justo en el cora!

Primero, el nuevo póster incluye a la mitad sobreviviente de la pandilla, así como la inclusión de nuestra nueva superheroína favorita, Capitana Marvel, que sigue rompiendo récords y que, si no te has animado a verla, checa nuestro review y lánzate al cine pero ¡ya!

Avengers-Endgame_póster en inglés

Después, se viene un trailer emocional que decide enfocarse más en el camino recorrido que en detalles sobre el esperado desenlace y consecuencias de las atroces decisiones de Thanos. El pasado de Tony Stark y Steve Rogers, al igual que la lucha de Natasha Romanoff, Bruce Banner y Clint Banner se ven resaltados en medio de un mundo donde la mitad de la población ha desaparecido. Sin embargo, ellos no están dispuestos a rendirse… no ahora, cuando en sus propias palabras le deben la oportunidad a los sobrevivientes de recuperar a sus seres queridos y encontrar paz.

Sin darle mucho rollo, prepara los pañuelos y ¡chécate el trailer! #WhateverItTakes

 

BONUS: La tensión entre estos dos…

La muerte como un bucle infinito e imposible de vencer: Russian Doll.

Por: Aída M. Castillo

Una matrioshka es un conjunto de muñecas tradicionales de origen ruso creadas en 1890. Lo original de ellas, es que se encuentran huecas porque albergan en su interior una muñeca, que a su vez contiene otra y así hasta la más grande registrada que contiene 75 unidades. Además de ser un bonito souvenir ruso, tiene mucho que ver con la nueva serie que se está convirtiendo en favorita de muchos.

Se trata de Russian Doll o Muñeca Rusa, protagonizada por Natasha Lyonne, que da vida a Nadia Vulkov. La historia te somete a vivir y revivir su cumpleaños número 36, una y otra vez, pues sin importar qué decisión tome, muere y reinicia el mismo día.

Paradójicamente, se gana la vida como diseñadora de videojuegos, por lo que su vida se convierte en uno, y todas las noches fallece de formas distintas y a veces hasta absurdas, aunque toma distintas decisiones, evita trampas y trata de manejarlo de forma diferente, siempre termina en el mismo lugar.

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Russian Doll refleja el ingenio de Lyonne, Leslye Headland y Amy Poehler, una combinación que le da al programa un tono irónico mientras explora su propia metafísica alternativa. Con el toque perfecto de humor negro y sarcasmo. 

Al igual que en The Leftovers y The Good PlaceRussian Doll se une a una lista de series que debaten la realidad, la muerte, la vida y la trascendencia de distintas perspectivas. Aunque Nadia niega que su viaje tenga que ver con la moralidad, se trata más bien de cómo las personas están conectadas en su vida y las distintas reacciones que éstas producen en el bucle.

Obtenemos la primera pista de que la respuesta al misterio de Nadia no está en los estupefacientes ni los fantasmas (ambas son teorías que prueba en diferentes bucles) cuando decide pasar la noche cuidando los zapatos de un hombre sin hogar que, en un reinicio anterior, se congeló de muerte. 

Esta es la primera vez que se da cuenta de que puede usar su situación para el bien de otra persona. Agotada de estar sentada toda la noche, pierde su parada de ascensor cuando sale del refugio y se encuentra con Alan (Charlie Barnett), el otro protagonista del programa, con quien, según reconoce, su historia está interrelacionada.

Russian Doll

A partir de esta reunión, el programa anida historias dentro de historias, como en las matrioshkas, mientras Nadia y Alan intentan descubrir que los conecta. Alan está seguro de que su enredo es una especie de purgatorio por “ser gente mala.”

“¿Qué es la gente mala?” Nadia pregunta. “Ahí está Hitler y luego están todos los demás”.

Con menos frialdad, ella insiste en que es demasiado simple y narcisista suponer que la metafísica moral del universo coincide con el sentimiento de culpa de Alan. Ella propone, en cambio, una especie de teoría de videojuegos multiverso-encuentro, según la cual tienen que volver al momento de la historia cuando sus vidas se enredaron y corregir el código que sigue causando el bucle. Si pueden depurar el programa, el bucle se volverá a desentrañar en un tiempo lineal.

Contra la creencia de Alan, el universo no parece preocuparse por el adulterio, el sexo casual, las drogas o los mensajes de texto lascivos, al menos no de forma intrínseca. Pero parece preocuparse si los personajes pueden aceptar, de una manera que fundamentalmente cambia sus vidas, que necesitan a otras personas.

Esto puede no parecer una revelación espiritual, pero es difícil de ganar para ambos. Alan está luchando con una enfermedad mental no diagnosticada. Para manejar su vida emocional, él controla sus relaciones íntimas fuera de la existencia. Nadia ha enterrado un trauma infantil que se remonta a sus abuelos, que son sobrevivientes del Holocausto. A pesar de estar rodeada de amigos, Nadia resiste cualquier demanda que le hagan otras personas. “Nuestras vidas dependen la una de la otra por la eternidad es mi propia pesadilla personal”, se lamenta. “No quiero estar apegado a nadie, quiero al menos mantener la ilusión de libertad”.

A medida que esa ilusión comienza a desmoronarse, las reglas de su juego se vuelven más complicadas. Los protagonistas comienzan a darse cuenta de que sus acciones están causando dolor a quienes profesan amar y que el problema que tienen que resolver es interno para cada uno de ellos. Están compitiendo contra un reloj invisible para mantener unido su mundo mientras tratan de hacer lo correcto por otras personas. Es como si las mismas leyes del universo se estuvieran inclinando para obligarlos a enfrentar el trauma y el miedo que les impide aceptar sus compromisos con otras personas.

Esto también podría ser metafísica narcisista, pero como Alan le dice a Nadia, las vidas son difíciles de cambiar. El espectáculo dobla el tiempo y el espacio para ayudarnos a pensar por qué es tan difícil salir de los bucles destructivos, incluso dentro del tiempo lineal. Y nos da una visión hermosa y vivaz de por qué vale la pena intentarlo de todos modos.