Mientras la reina Elizabeth II se enfrenta a una Gran Bretaña que cambia rápidamente, su familia continúa luchando contra las necesidades de la monarquía y los deseos de sus vidas personales fracturadas.
The Crown cuenta con la actuación de Olivia Colman como la reina Elizabeth II, Helena Bonham Carter como la Princesa Margarita, Tobias Menzies como el Duque de Edimburgo, Josh O’Connor como el Príncipe Carlos, Erin Doherty como la Princesa Anne, Ben Daniels como Lord Snowdon, Jason Watkins como el Primer Ministro Harold Wilson y Charles Dance como Lord Mountbatten.
La tercera temporada de The Crown se estrena globalmente el domingo 17 de Noviembre.
Los sueños se cumplen. Así lo demuestran los hermanos Jesse y Joy, quienes desde 2005 han logrado una trayectoria bastante sólida, interpretando con maestría géneros como: el pop rock, el folk, el soul, el hip-hop y últimamente el urbano, cuentan con 4 álbumes de estudio, un Premio Grammy a Mejor Álbum Latino y 6 Premios Grammy Latino en diversas categorías.
El dueto participó recientemente en la XVII Cumbre de Premios Nobel de la Paz.
“Tanto” es el nuevo single que presentan junto a Luis Fonsi, siguiendo con las colaboraciones, pues en septiembre pasado también expusieron “Infinito” junto a Andrés Cepeda, mientras que a principios de año lanzaron “Mañana is too late” junto al colombiano J Balvin. Todo esto, como introducción a lo que parece un gran álbum.
El videoclip lanzado el viernes pasado, ya supera las 5 millones de reproducciones.
Una balada pop para expresar los sentimientos y confesar amor, que surgió de un coqueteo laboral y una gran amistad, confesaron a los medios. El dueto mexicano que traspasa fronteras, ha sacado despaaaaaciito los tracks que conforman su nuevo álbum y que estará disponible en 2020.
Joy Huerta se considera bastante cursi, contrario a lo que canta.
“Tanto” producido por Jesse, Martin Terefe y Charlie Heat es el nuevo tema que combina a la perfección y destaca las virtudes individuales de los tres.
Cuando decidieron que “Tanto” iba a ser su siguiente sencillo, lanzaron en redes sociales el reto “Valientes” para animar a sus seguidores a expresar sus sentimientos. Dando como resultado el hashtag: #QuieroDecirteTanto que se viralizó rápidamente.
¿Pero por qué nombrarlo “Valientes”? Lo titulamos así porque hoy en día las redes sociales se prestan más para dar mensajes de odio y de crítica y cosas que no suman, sino restan, declaró Joy.
El dueto es sensible a causas como el medio ambiente, los inmigrantes y la equidad de género, y por ello buscan generar conciencia entre sus seguidores.
Tras haber sido madre, Joy confesó que su sensibilidad y manera de componer canciones cambió. “Definitivamente me siento mucho más sensible al entorno y susceptible. Si antes teníamos responsabilidades, ahora más”, sostuvo Joy.
Joaquin Phoenix otorga una interpretación excepcional como el villano más interesantes de nuestros tiempos.
La magistral interpretación de Heath Ledger como un Joker despiadado en ‘The Dark Knight’ dejó al mundo con sed de más, y fue hasta el 2016 que las expectativas por ver a Jared Leto en pantalla grande tomar la estafeta llegaron a su máximo punto… para caer estrepitosamente gracias a una desafortunada edición y casi nula presencia del personaje en ‘The Suicide Squad’. Así que cuando Todd Phillips anunció el título de ‘Joker’ como su propia versión sobre los origines del villano, hubo muchas opiniones encontradas y las expectativas se manejaron de manera reservada, hasta hace un par de meses.
Cuando el primer teaser de ‘Joker‘ vio la luz, las expectativas volvieron a subir pero ahora, con justificación. Ya se sabía que el incomparable Joaquin Phoenix se pintaría el pelo de verde, y aunque nadie duda de sus dotes actorales, fue un alivio ver que la película sería todo menos una parodia de sí misma y que de algún modo, se conjugaría poco con la narrativa del Caballero de la Noche. Fue ya para el trailer final y su victoria en el Festival de Venecia que se sabría que, no solamente la ejecución del personaje sería una obra maestra, pero que la película en sí podría bien ser una de las mejores -sino es que la mejor- del año.
Tomando como inspiración -más no estrictamente basada en- el cómic ‘The Killing Joke’, y las pelis ‘The King of Comedy’ y ‘Taxi Driver’ (Martin Scorcese estuvo atado como productor en algún punto) ‘Joker’ se dedica enteramente a estudiar la psique de Arthur Fleck, un hombre con una condición mental que es constantemente repudiado por la sociedad y todos aquellos seres cercanos a él, o casi todos. Es cuando llega a su punto más bajo que no ve otra manera de seguir adelante más que darle rienda a sus frustraciones para abrirse paso a través de un túnel oscuro y hacia la luz, si es que existe.
Ambientada a finales de los 70’s, Ciudad Gótica se encuentra en su peor punto: basura, ratas y austeridad están por doquier, las calles también están infestadas de ellas. Ahí, Arthur Fleck (Phoenix) es un hombre que vive con una condición crónica que dispara una risa incontrolable en momentos de ansiedad,¿su medicina? trabajar como payaso en donde quiera que se le dé una oportunidad. ¿Su sueño? ser el mejor comediante del país y tener su propio show, como su ídolo Murray Franklin (Robert DeNiro, exquisito como siempre). Sin embargo, sus sueños no serán más que una mera ilusión pues la realidad es otra; pues desde los créditos iniciales nos damos cuenta que Arthur es el chiste en sí, y no uno muy bueno pues no toma más que un puñado de pubertos para ponerlo en su lugar, sólo porque se les da la gana.
Arthur vive con su madre Penny (Frances Conroy) una mujer de edad avanzada que requiere cuidados y atención, dependiendo de su pequeño ‘Happy’ irónico apodo que le da a su hijo. Él por su parte, la atiende con el cariño y respeto debido. A la par, el empresario Thomas Wayne (Bret Cullen) lleva a cabo una campaña para convertirse en el próximo alcalde de Ciudad Gótica, prometiendo erradicar la desesperanza y pobreza, algo que como el sueño de Arthur, parece imposible. Y es así que Arthur se levanta para enfrentar el día a día con la mejor sonrisa.
Sin embargo, esto no es un cuento de hadas y la misma desesperación de Arthur por protegerse del mundo cruel, lo llevan a perder su trabajo, aprender verdades dolorosas y finalmente volverse presa de sus más bajos instintos para sobrevivir, más para desatar sus represiones, pero sobretodo sobrevivir. Y después de un fatídico encuentro con un trío de pelafustanes de Wall Street, su vida no será la misma y la de Ciudad Gótica tampoco.
Es así que poco a poco la verdadera naturaleza de Arthur comienza a salir a flote y las cosas se tornan peligrosas. Y no solo para los habitantes de Gótica, sino para la audiencia también porque hasta cierto punto entiendes el por qué de sus acciones. Sin embargo, se debe tomar más como una advertencia que como una empatía, y aunque Phillips y Phoenix han dejado claro que su intención nunca ha sido hacer apología de la violencia, uno no puede dejar de ver reflejada la realidad de tantas personas que bien el ‘Joker’ podría ser cualquier vecino o amigo.
También es cierto que la condición de Fleck, más el excesivo abuso de la sociedad en un mundo ficticio lo empujan directo al abismo, y su discurso no es más que el victimismo de un hombre que no supo lidiar con los problemas de la vida. Ahora, entenderlo así y saber que el querido Guasón no es más que un personaje, ayuda a saborear el filme de la mejor manera.
Sin duda la película arrasará en la próxima temporada de premios, por lo pronto con las nominaciones, pues la fotografía de Lawrence Sher (War Dogs) y las partituras de la oriunda de Islandia, Hildur Guðnadóttir (Sicario: Day of the Soldado) son realmente magníficas, sin dejar pasar el atinado diseño de producción y la gloriosa dirección de Phillips. No debería sorprender que Joaquin Phoenix llegue hacía un bien merecido -y ya tardado- Óscar por su actuación.
Poco hay por spoilear, pero tampoco sería justo contar un desenlace que se vive de manera exquisita con cada toma e interpretación de un reparto fantástico, un excelente guión y la visionaria dirección de Todd Phillips. Lo que sí hay que contar es que ‘Joker’ será definitivamente un parteaguas para el mundo del cine y los cómics, al igual que en esta ocasión, tus expectativas pueden estar tan altas como quieras, pues Joaquin Phoenix no solo las cumple, sino que las excede.
Cuando vamos al espacio, ¿cuánto equipaje deberíamos llevar con nosotros? La pregunta se cierne sobre Ad Astra de James Gray, un fascinante drama de ciencia ficción que nos lleva a un futuro donde la humanidad ha comenzado a colonizar el sistema solar y las estrellas han comenzado a perder algo de su brillo.
Entre puestos de Applebee’s, Subway’s y recuerditos de la luna, así como vastas tierras de nadie gobernadas por compañías mineras rivales y piratas. Las colonias marcianas parecen proyectos monumentales de viviendas espaciales, y vislumbramos perros deambulando por sus corredores de hormigón sin ventanas. Lo que podría responder, por qué el ser humano aún no ha llegado al espacio sideral.
Sin embargo, Roy McBride (Brad Pitt) todavía es un creyente, aunque está en una crisis de fe. Un astronauta nato con nervios de acero y un pulso que nunca supera los 80 lpm, Roy es una figura reflexiva (narra gran parte de Ad Astra en voz en off), pero también algo así como un astronauta estoico, bifurcado, que a veces sugiere que el verdadero parentesco de la película, no es con los filosóficos viajes cósmicos o las historias de ciencia ficción duras a las que se parece exteriormente, sino con la aventura clásica.
En la luna, intercambia disparos mortales con los piratas antes mencionados, mientras sus carritos corren hacia su convoy en silencio lunar. El espacio en sí mismo no es un picnic. La cámara de Hoyte van Hoytema, transmite con una mezcla de austeridad y fascinante inquietud: interiores de naves espaciales vacías, vastos anillos planetarios, lagos subterráneos marcianos turbios, reflejos distorsionados en visores de casco recubiertos de oro.
Aquí hay asombro y misterio palpables, sin embargo, la amenaza de desesperación suicida nunca se queda atrás. Las drogas del humor, son raciones estándar para los transportistas de larga distancia del Comando Espacial de los Estados Unidos, o SpaceCom; de igual forma, las evaluaciones psicológicas automatizadas son parte del día de trabajo de un astronauta. Más tarde, en un puesto de avanzada marciano, veremos un cartel que dice: “Asesoramiento en caso de crisis: hay esperanza, haz la llamada”, imitando la redacción y la apariencia de la señalización que cuelga a lo largo del puente Golden Gate.
Podemos ver la depresión arrastrándose a través del frío exterior de Roy. Su vida ha sido vivida a la sombra de su padre, el legendario H. Clifford McBride (Tommy Lee Jones), quien dejó la Tierra para siempre cuando Roy estaba en su adolescencia y luego desapareció, presumiblemente muerto, junto con el resto de la tripulación de El Proyecto Lima, una misión a los confines del sistema solar que buscaba signos de vida inteligente alrededor de estrellas distantes. Roy mismo se ha convertido en un hombre profundamente retraído, sin nada a lo que regresar en su planeta natal, aparte de un matrimonio fallido. La actuación es una de las más sutiles (y fácilmente la más taciturna) de la carrera de Pitt, en gran parte transmitida a través de los cansados ojos de su personaje.
La secuencia de apertura proporciona dosis iguales de ingenio científico y acrofobia, mientras observamos a Roy subir a los peldaños de un mástil de antena que se eleva millas en la atmósfera superior. Entonces todo comienza a crujir, la megaestructura delgada se desmorona y Roy se encuentra cayendo en picado. Resulta que la Tierra ha sido golpeada por una explosión electromagnética que ha causado estragos y ha matado a decenas de miles en el suelo. (Roy tiene la suerte de salirse con la suya en el hospital.) Pero, por supuesto, hay más: el aumento de poder en todo el planeta parece haber sido un ataque deliberado, que se originó en algún lugar de la órbita de Neptuno, el último lugar conocido del Proyecto Lima. SpaceCom, de hecho, ha llegado a creer que H. Clifford McBride no pereció hace tantos años en la búsqueda de la ciencia, pero de hecho está muy vivo.
Todo esto es, en cierta medida, un territorio familiar para Gray, un cineasta magistral cuyas películas se definen en parte por sus héroes defectuosos e insatisfechos y cuya última película, la quijotesca y magistral The Lost City Of Z, retrató una obsesión con lo desconocido, a diferencia del que mostró el anciano McBride en sus últimos mensajes grabados. Ahora, las distancias entre sus personajes son literalmente astronómicas, con un lienzo que abarca el sistema solar junto con nuestros sueños colectivos, debilidades y deberes existenciales.
Pero uno no puede sacudir la impresión de que Ad Astra , la producción más grande y costosa de los casi 25 años de Gray como director, llena de efectos espectaculares ejecutados con un sentido de escala y velocidad, es de alguna manera una de sus películas más minimalistas. , y no solo por su mise-en-scène militarmente rígida.
La única relación que realmente importa es entre Roy y Clifford, un personaje que aparece principalmente en viejas grabaciones de video. Sin embargo, la película está lejos de ser claustrofóbica. Más bien, envuelve el viaje personal de Roy hacia tierra incógnita en un diseño más grande, convirtiendo gradualmente las ironías humanas en cósmicas, trazando paralelos entre el espacio interior y el exterior. Incluso las piezas del set, que son a la vez evocativas y eficientes, son todos crisoles.
¿Pero dónde está todo este edificio? Los finales de las mejores películas de Gray han variado desde la melancolía hasta la trascendencia trágica, pero Ad Astra nos permite reflexionar que hasta el más duro, necesita nutrirse de su entorno, y que a veces no encontrar nada, es también descubrir algo, es una nota de esperanza improbable a través del vacío inseguro: esto es todo. Esto es todo lo que hay.
En caso de que no seas uno de los fanáticos devotos que oraron por la intervención divina para rescatar a “Lucifer”, esta es la premisa. (#SaveLucifer) Lucifer era un ángel perfectamente decente, solo, como la Biblia dice de él: “Tu corazón se enorgulleció por tu belleza y corrompiste tu sabiduría debido a tu esplendor”.
Bueno, dicen que el orgullo te mata. El ángel engreído y rebelde fue expulsado del cielo y enviado a gobernar el infierno. Sin embargo, Satanás, El Maligno, Mefistófeles, Belcebú, El Ángel Caído, El Señor del Infierno o sea Lucifer (Tom Ellis) se cansa de la vida en el infierno, se materializa en la Ciudad de los Ángeles, donde ayuda a la policía local a encontrar y castigar a los malhechores en esta adaptación televisiva del cómic de DC, mientras es dueño de un club nocturno llamado LUX junto a su gran amiga y confidente Mazikeen (Lesley-Ann Brandt).
En la Ciudad de Los Ángeles, él no es nadie.
Todo va relativamente bien, concede favores a la gente, disfruta de los excesos y los placeres que concede la vida mundana, hasta que se ve envuelto en la escena del crimen y conoce a la detective Chloe Decker (Lauren German) que literalmente se vuelve su perdición. Empieza a colaborar como consultor en la polícia civil. Es una gran ayuda porque puede hacer que las personas hablen sus deseos ocultos.
Todos tenemos una vulnerabilidad, incluso el diablo.
La temporada de 10 episodios, que salió a principios de este mes, se abre con un resumen ingenioso de los últimas tres temporadas, y luego desaparece. Los crímenes deben resolverse, y las cuestiones religiosas y morales deben medirse mientras Lucifer se pregunta si él es innatamente malo.
Pueden existir amantes o detractores de esta serie fantástica que incluso raya en la comedia dramática, al introducir personajes mitológicos como ángeles y demonios en la vida cotidiana, pero la serie también maneja muy bien los contrapesos con la ayuda de la Dra. Linda Martin, una psicoterapeuta que inicialmente acepta favores sexuales a cambio de terapia, pero después se convierte en gran amiga y confidente del clan maligno.
La humanidad de Lucifer Morningstar radica en su incapacidad de aceptarse como “monstruo” y la vulnerabilidad que Chloe Decker, le produce, a tal grado de volverse mortal, al estar cerca de ella. Sí, no hay duda de que es un tipo hedonista y narcisista que busca todo beneficio para sí mismo, pero cuanto más pasa el tiempo, más busca deshacerse de ese egoísmo y entre broma y broma, seducir a Chloe, pero se da cuenta que sus poderes no funcionan con ella. Por el contrario, se vuelve finito, sangra cuando está cerca de ella.
El punto más álgido de la transformación de Lucifer, es cuando, al darse cuenta que no podrá estar con Chloe, trata de llenar ese vacío casándose con una striper de Las Vegas y regresa a sus viejos y tóxicos hábitos que se plasmarán también en su apariencia física. Lo que en un momento hace que Chloe se asuste de aquello que siempre ha sabido, y se aleje, lo que destroza a Lucifer. El amo del Infierno se siente solo, rechazado y asustado.
Esta serie nos demuestra que no existe el blanco y negro, sino una gran variedad de matices enmedio, que por más imposible que sea, hasta los mismos seres celestiales tienen miedos, dilemas, pero lo más importante: ganas de ser amados y aceptados. ¿Habrá temporada 5 de esta serie?
Atrás han quedado los monstruos que daban miedo, hoy en día es muy raro que una criatura amorfa provoque algo más que curiosidad y morbo. A las audiencias de hoy les da más miedo perder seguidores en instagram que un quasi-dinosaurio destruyendo una ciudad entera; es más, ni atención prestan a la pantalla grande. Es por eso que se aplaude el esfuerzo de Waner Bros. por crear, no solamente un filme sobre el -posiblemente- monstruo más famoso del mundo, sino todo un universo cinematográfico al rededor de este y demás compañeritos.
Godzilla lleva escondido casi 5 años en los océanos.
Han pasado 5 años desde que Godzilla irrumpiera en la ciudad de San Francisco destruyendo todo a su paso y ahora, el mundo entero está consciente de su existencia. Sin embargo, otros pocos han descubierto que Godzilla no está solo, pues escondidos en distintos parajes del mundo, un sinfín de extrañas criaturas duermen profundamente esperando el llamado que los invite a salir a explorar de nuevo el planeta que alguna vez les perteneció enteramente.
Y quien más sabe al respecto es la Dr. Emma Russell (Vera Farmiga), quien después de haber perdido a su pequeño hijo gracias a la catástrofe de San Francisco, se ha dedicado a estudiar, localizar y hallar la manera de comunicarse con Godzilla y demás criaturas; sin embargo, Madison (Millie Bobby Brown), su hija adolescente, está preocupada por su obsesión con el tema. Aún así, logra aprender y tratar con lógica este asunto, pues ambas viven en una base científica en China, donde una criatura de nombre Mothra (algo así como una polilla gigantesca) se encuentra en proceso de romper el cascarón, por así decirlo. Como es de esperarse, Mothra nace y con ella la revolución de un centenar más de monstruos ansiosos de ver la luz de nuevo.
Millie Bobby Brown y Vera Farmiga como Madison y Emma Russell respectivamente.
Esto no es coincidencia, pues hay seres humanos que creen que una purga a manos, perdón -garras- de estos seres míticos es necesaria para, a largo plazo, preservar a la humanidad. Obviamente es el ser humano quien se pone el pie así mismo, pero no todos somos tan malos. Gente como Mark Russell (Kyle Chandler), padre de Madison y ex de Emma, entra a escena para aliarse con quienes se presten a arriesgar su vida y así aliarse con Godzilla para mantener a raya a los demás monstruos.
La película se aleja de su antecesora, pues aquí efectos especiales hasta para llevar, mientras que una historia inteligente o interesante se queda completamente de lado. Pareciera que todo es un pretexto gigante para ver escombros y destrucción por doquier sin razón alguna; aún así, los monstruos no dejan de ser admirables, especialmente Gidorah, una criatura despiadada de 3 cabezas, esto logra rescatar un poco la intención de la historia. México tiene una aparición especial, por cierto.
Gidorah es el nuevo enemigo que pretende robar el trono a Godzilla.
No cabe duda que menos es más, un dicho que no llegó a los oídos de la producción. Sin embargo, funciona como una perfecta palomera que, sin duda alguna, deja el camino claro para lo que se viene el próximo año – Godzilla vs. Kong-. Y como lo mencioné en un principio, es admirable que se quiera rescatar la monstruosidad en las películas, aunque por momentos salga a relucir que los verdaderos monstruos son aquellos productores que solamente quieran vender.
¿Qué pasa si te digo que puedo hacer que te enamores de mí?, Dame un día. –No tengo un día, responde Natasha. – Bueno dame una hora le suplica Daniel.
Natasha Kingsley (Yara Shahidi) vive en Brooklyn, Daniel Bae (Charles Melton) en Queens. Una mañana radiante a la luz del sol, ambos tienen negocios urgentes en Manhattan. Daniel tiene una entrevista que espera que lo lleve a Dartmouth, un primer paso para realizar el sueño de sus padres de convertirse en médico, aunque sus propias ambiciones son más literarias, pero como es el hijo obediente de la primera generación de inmigrantes coreanos, acepta su destino.
Natasha, cuya familia llegó a Nueva York desde Jamaica cuando estaba en la primaria, está en una misión desesperada para evitar su deportación. Sus padres están resignados a irse; están programados para partir el día después de que se lleve a cabo la mayor parte de la acción de la película, pero su hija está decidida a encontrar a alguien que maneje el recurso legal de la familia para que puedan quedarse en la ciudad que ella ama. (John Leguizamo).
Yara Shahidi and Charles Melton in “The Sun is also a Star.” (Warner Bros.)
Aquí es cuando la magia sucede y el destino conecta a dos personas que están predispuestas a conocerse. Aún cuando sus personalidades son diametralmente distintas: Natasha es una ferviente seguidora de hechos, datos duros y astronomía, mientras Daniel es un poeta soñador que se detiene cuando ve a Natasha de pie en medio de la estación Grand Central mirando hacia el techo. Al darse cuenta de que su chamarra tiene escrito “Deus Ex Machina”, una frase que acaba de anotar en su diario esa misma mañana, sale tras ella en busca de su destino.
Después sigue la acción, mientras Daniel sigue a Natasha a Chinatown y la salva rápidamente de un automóvil, lo que lo convierte en un acosador escalofriante y un salvador en la misma escena. En lo alto de la quiniela por el destino, Daniel le apuesta a Natasha que puede hacer que se enamore de él en un día. Natasha no tiene un día, dice, y Daniel implora, “dame una hora, entonces”.
Desde Chinatown, su día romántico los lleva al toldo verde de Caffe Reggio de Greenwich Village, la tienda de artículos de belleza negra de la familia de Daniel en Harlem, karaoke en Koreatown, el tranvía a Roosevelt Island, el tren J a través del puente de Williamsburg y, en un guiño no oficial a “Manhattan” – el Planetario Hayden. Una cantidad muy improbable de terreno a cubrir en un solo día, pero una gran variedad de lugares auténticos de Nueva York, no obstante.
Esta es la segunda novela de Yoon que llega a las pantallas grandes. Warner Bros. también produjo “Everything, Everything” en 2017, de la directora Stella Meghie. Menos trágica que la película anterior, “El sol también es una estrella” refleja el cortejo de la autora con su esposo; Ella es jamaicana-estadounidense y él es coreano-americano. La especificidad cultural de dos niños de la primera generación que se enamoran es la mayor fortaleza del guión, y la deportación pendiente de la familia de Natasha agrega un peso oportuno que eleva la película.
Sin embargo, la historia y sus adornos se sienten un poco genéricos, el diálogo estudiadamente insípido y los personajes y sus problemas son curiosamente ingrávidos, a pesar de los gestos en la dirección de los problemas del mundo real.
Natasha y Daniel están sellados en una burbuja protectora, amortiguada con música pop sentimental de varios estilos y épocas, aunque discuten sobre el destino, el amor, el libre albedrío y la naturaleza del cosmos, no llegan demasiado lejos pues sus bocas desesperadamente buscan besarse.
Otro hito para DC, que parece encontrar su camino a través de este simpático superhéroe
Por Alex It.
Estamos a nada de presenciar uno de los desenlaces más esperados en la historia cinematográfica, por supuesto que hablamos de Endgame; y aunque Marvel tiene un futuro asegurado y promete continuar, no sabemos si tendrá el mismo efecto que la década y cachito pasada tuvo en nosotros. Lo que sí sabemos, es que DC tiene muchas áreas de oportunidad, y al menos, de un Aquaman para acá, ha cambiado su dinámica para caerle mejor a una audiencia exigente. Y ese es justo el caso con Shazam!, la producción más reciente de Warner Bros. y DC que explora la creación de un superhéroe cuyos poderes se asemejan a los de las míticas deidades de Salomón, Hércules, Atlas, Zeus, Aquiles y Mercurio… o séa Shazam!
Aunque este personaje ha atravesado por distintas fases desde su primera aparición por allá de 1940, entre ellas el cambio de nombre de Captain Captain Marvel a Shazam! o la transición de Fawcett Comics a DC; en la cultura popular, se ha logrado perderse entre tantos de sus primos, especialmente Superman y Batman, pero el momento de ser reconocido justamente ha llegado y vaya que lo hace de manera sorprendente.
Shazam! en la versión The New 52 de DC Comics.
Basada en el reboot de la línea The New 52 de DC Comics, la peli comienza narrando la historia del pequeño Thaddeus Sivana, quien una noche fría de 1974 va en el automóvil con su hermano mayor y su padre, cuando de la nada es transportado a una dimensión alterna en un paraje llamado la Roca de la Eternidad, donde un viejo hechicero (Djimon Hounsou) lo pone a pruebapara ver si es digno de ser el nuevo portador de sus poderes; sin embargo, las fuerzas oscuras -representadas aquí por los 7 pecados capitales- logran corromperlo y el hechicero lo envía de vuelta al automóvil, donde el pequeño Thaddeus hace un berrinche y las consecuencias para todos son trágicas.
Corte a la época actual, un joven Billy Batson (Asher Angel) pasa sus días en las calles de la ciudad de Filadelfia buscando pistas que lo lleven a encontrar a su madre biológica, de quien es separado cuando es apenas un pequeño niño y desde entonces, ha rebotado de una casa adoptiva a otra. Sin embargo, su última desventura con un par de policías lo llevan a ser colocado por una vez más con otra familia adoptiva encabezada por Rosa y Victor Vasquez (Marta Milans y Cooper Andrews).
Asher Angel y Jack Dylan Grazer interpretan a Billy Batson y Freddie Freeman respectivamente.
En la casa de los Vasquez, Billy es recibido con mucho ánimo por sus hermanos adoptivos: Pedro (Jovan Armand), Darla (Faithe Herman), Mary (Grace Futlon), Eugene (Ian Chen) y Freddy (Jack Dylan Grazer) -todos excepcionales-, quien termina siendo su compañero de cuarto y mejor amigo, pero a pesar de los cálidos elogios por ser el nuevo hermano mayor, Billy está dispuesto a huir una vez más, no sin antes defender a Freddy de un par de bullys escolares, donde una persecución lo lleva a tomar refugio en el subterráneo, donde su siguiente parada es en nada más y nada menos que la Roca de la Eternidad.
Cabe mencionar que para este momento, Thaddeus, ahora un prestigiado doctor (Mark Strong), ha encontrado la manera de llegar a la Roca y ha usurpado los poderes malignos, dejando al hechicero en un estado completamente deteriorado, mientras que Thaddeus está en un camino de venganza y sed de poder; así que cuando Billy llega, el hechicero no tiene más remedio que otorgarle los poderes, y hacerlo jurar que los usará para el bien de la humanidad. Billy acepta y es cuando Shazam! (Zachary Levi) tiene su primera aparición.
Zachary Levi desminitó los rumores sobre el retoque digital para su cuerpo musculoso subiendo un video a rede donde mostraba parte de su entrenamiento.
Billy, sin saber a ciencia cierta qué rayos acaba de suceder, confía plenamente en Freddie para descifrar sus nuevos poderes y de pasada, vivir situaciones que más allá de brindar paz y justicia, sirven para reforzar los lazos fraternales entre ambos. Claro está que una vez que Sivana se percata de la existencia de Shazam, se propone a robarle sus poderes a como dé lugar, y es ahí cuando la dinámica de un adolescente con juguete nuevo transiciona a la de un adulto que debe responsabilizarse y madurar.
Mark Strong interpreta al Dr. Sivana.
Y precisamente esa transición, es la que nosotros como audiencia, disfrutamos y empatizamos con, pues el diálogo se mantiene fresco y divertido, cayendo de manera cuidadosa en esos clichés que son difíciles de evitar, pero que atraviesa de manera triunfante; sobre todo en cuanto al tema de la familia se refiere.
De entre todos los candidatos al protagónico – John Cena, Billy Magnussen y Zane Holtz– Zachary Levi queda muy atinadamente como el superhéroe adolescente atrapado en el cuerpo de un adulto, mientras que Jack Dylan Grazer ( It ) se roba la película de manera contundente, algo así como un Adam Brody miniatura (wink, wink). Y es justo la química entre ambos que hace que nosotros queramos pertenecer a ese dúo dinámico.
La dinámica entre Levi y Grazer es excepcional.
Las escenas de acción en la película son bastante buenas, especialmente durante el desenlace, pues es precisamente cuando la familia está dispuesta ayudar, que los poderes de Shazam realmente relucen. Y la lección está ahí, pues más que un llanero solitario, la fuerza de este superhéroe reside en el trabajo en equipo, brindando una resolución a Billy, quien por fin, se puede sentir parte de un hogar.
Con una secuela confirmada, posiblemente Shazam! se convierta en una de las joyas más preciadas de DC -inclusive podría ser la mejor película del DCEU si no fuera por Wonderwoman- pues, a pesar de una que otra pequeña falla en los detalles, es justo este tipo de unificación orgánica entre humor, acción y sentimentalismo que sirve como fórmula para entregar un hitazo.
Ojalá que futuros proyectos vengan cargados con la misma simpatía y enjundia que Billy evoca cada vez que grita Shazam!
Osmosis es una serie francesa que explora los paradigmas del amor y la tecnología, y sorprende de manera bastante grata.
Todos fantaseamos con algo, ya sea el poder, el dinero, el éxito, la felicidad o el amor y aunque parece que encontrar el amor es más fácil que obtener fama mundial, podríamos pensarlo dos veces en esta sociedad hipermediatizada, consumista y estereotipada.
La nueva propuesta de Netflix, habla no solamente de encontrar a alguien con quien compartir un buen rato, sino a tu científicamente comprobada alma gemela.
Perfect Match, cuestiona la monogamia y la exclusividad sexual (La competencia de Osmosis en la serie)
Paul Vanhove (Hugo Becker) y Esther Vanhove (Agathe Bonitzer), son hermanos, empresarios y científicos visionarios, que buscan capitalizar la idea del alma gemela y exprimir ese fantasma del amor romántico, que a todos nos persigue, mediante su tecnología llamada “Osmosis” que revela tus recuerdos, deseos inconscientes, pensamientos y emociones, mediante un implante cerebral, que después del reconocimiento te presenta el rostro de tu alma gemela y su ubicación.
Funciona a través de un tatuaje luminoso en el antebrazo conectado al cerebro. Cuando estás lejos de tu alma gemela, lo único que tienes que hacer es tocarlo para conectarte en otro plano de la realidad con él o ella y disfrutar de un momento de intimidad para así continuar tu día con el mejor de los ánimos.
Si la ciencia pudiera darte al amor de tu vida, ¿dirías que sí?
Osmosis podría tratarse solamente del romance, pero las personas no se definen por una sola narrativa simple, incluso si se inyecta directamente en sus cerebros. Envuelta en una trama romántica familiar, los espectadores pueden expandir mentalmente a algo más adecuado para sus propios intereses, desde el melodrama familiar hasta el espionaje industrial.
“Ninguna generación ha estado tan conectada, y sin embargo, se ha sentido tan aislada. Estamos discapacitados emocionalmente,”
mencionó Julius Berg, director de la serie durante una conferencia de prensa.
Los dos hermanos son seres que han carecido de amor y buscan capitalizarlo.
Pero el drama real de Osmosis sugiere que las personas no encajan tan bien en el algoritmo de Paul, puede pensar que la capacidad de encontrar un alma gemela transformará a la humanidad de manera irrevocable, pero su hermana no está de acuerdo. Esther, el genio de la tecnología detrás de Osmosis, no tiene ningún interés en el romance. Cuando ella quiere sexo, ella se sumerge en una simulación de realidad virtual. Ella afirma a Paul que ya tiene dos almas gemelas que ocupan todo su tiempo: el mismo Paul y su madre vegetativa y hospitalizada. De hecho, Esther espera usar la tecnología de Osmosis para revivir a su madre, justo como tres años antes, ella revivió a Paul de un estado similar, que es cómo realmente surgió la tecnología.
En algunas escenas incluso podemos recordar “Her”, aquella película que también habló del amor y la tecnología.
La tecnología en Osmosis no crea una distopía o una utopía en sí misma. Es solo una herramienta, y diferentes personas proyectan diferentes sueños y temores sobre ella, para bien o para mal. Lo que nos hace reflexionar sobre nuestro verdadero concepto de amar, que nada tiene que ver con la tecnología sino con nuestra propia humanidad.
¿Qué sucede si conoces al amor de tu vida pero tú para él o ella no significas nada? ¿Qué tal que no tienen nada en común por mucho que tu cerebro indique que deben estar juntos? El destino y la suerte quedan fuera de esta tirada de dados, pues ha sido intervenido por la tecnología, así que la esperanza está sujeta a tus encantos personales… Pero, ¿no fue por eso que se creó Osmosis, para resolver la incapacidad social de las personas?
La serie presenta muchas paradojas de este tipo, pero la principal es que el amor es escurridizo, cruel y volátil, se queda cuándo, cómo y con quién desea, sin importar toda la tecnología y los esfuerzos sobre humanos.
¿El ser humano soportaría un estado de felicidad permanente?Todas estas cuestiones giran en torno a la trama desde el primer capítulo. La moralidad que siempre acompaña cualquier avance social, tecnológico o humano. La serie narra también el punto de vista de quién considera innecesaria este tipo de tecnología, por mucha conexión que terminen teniendo con otra persona.
Por ejemplo, el probador de Osmosis, Lucas (Stephane Pitti) no está tratando de encontrar un amor verdadero, sino de reafirmar su relación estable. Lucas espera que Osmosis le dé respuestas, pero también podría tratar de resolver sus problemas escribiendo: “¿Debo romper con mi novio?” en Google. El dispositivo puede proporcionarle información potencialmente relevante, pero no puede controlar su comportamiento, tomar decisiones o resolver problemas personales que no comprende completamente.
Ese nivel de matices y conciencia hace que Osmosis sea reflexiva y refrescante.
Esther no es la única que no quiere construir su vida alrededor del amor romántico. Uno de los sujetos de prueba, Ana (Luna Silva), se presenta como el estereotipo desesperado por el amor, podría ser aburrido e insultante, excepto que resulta que está más interesada en la política que en el amor, y participa en el test por razones propias, aunque ya después, entra en un conflicto existencial al querer jugar para los dos bandos.
Osmosis es provocadora, te incita a reflexionar y se perfila en el aire de la ironía. Se basa en el conocimiento de la audiencia sobre el desafiante mundo de las citas y en lo cínico que se está convirtiendo la raza humana con la elección de la “otra mitad”. También existe un profundo sentido de corrupción corporativa que corre por las venas de la historia, lo que representa el miedo. El avance de la tecnología y cómo puede dañar a la humanidad en el futuro, temas tan presentes en series como Black Mirror o Maniac.
¡Habemus fecha para la esperada 3ª parte de la producción española que conquistó miles de corazones!
Se acabaron las máscaras, los ladrones triunfaron.
Álvaro Morte que da vida a El Profesor, un misterioso intelectual de un crimen que parece perfecto, reclutando a un grupo de ocho ladrones que toman rehenes y se encierran en la Casa de la Moneda Real de España, mientras él manipula a la policía para llevar a cabo su plan.
Nairobi y Moscú se la están pasando bomba antes de hacer nuevas fechorías.
Después del éxito global de la Parte 1 y la Parte 2, El Profesor desarrolla nuevos atracos que se darán a conocer en julio. Morte dijo anteriormente que estaba “abrumado” por la popularidad mundial de la serie y se sorprendió al encontrar personas en Argentina con su rostro tatuado en el cuerpo.
El Profesor y la Detective Raquel Murillo viven un amor ilegal y clandestino.
Creada para Antena 3 en España, la serie debutó en Netflix a nivel internacional en diciembre de 2017. ¿Están listos para la tercera parte, el 19 de julio?
El MCU pone las expectativas a tope con nueva serie de posters
A tan sólo un mes del estreno de una de las películas más esperadas de la historia, la expectativas son altas y el día de hoy, Marvel ha develado posters clave de los superhéroes, haciendo un recuento de quienes sobrevivieron a la furia de Thanos… y quienes no.
Aquellos que están a color son lo que están a cargo de vengar a la humanidad, mientras que aquellos en blanco y negro son los que se han esfumado -literalmente-. Entre las caras de los caídos se confirma que Shuri ha desaparecido, disipando así los rumores sobre su participación como la nueva Pantera Negra, mientras que se reafirma la aparición de una Capitana Marvel lista para el combate.
Además, Kevin Feige -productor- ha confirmado que Avengers: Endgame será hasta ahora la película de Marvel con mayor duración al contar con exactos 182 minutos; ‘muchas películas duran 90 minutos, y pueden parecer 4 horas… para nosotros, cada edición de Endgame se siente bien para nosotros.’ – dice.
Así que ve preparando las cubetas de palomitas y chécate los icónicos posters. ¿Cuál es tu favorito?
La novela tendrá lugar 20 años después de los eventos de la primera parte.
Por Alex It.
Si aún sigues pensando en veranos en Italia y duraznos rellenos – yum- ¡no temas más! pues se ha confirmado la fecha de lanzamiento de la segunda parte de la aclamada novela Call Me By Your Name, que llevará por título Find Me y estará disponible en todos sus formatos el próximo 29 de octubre. Y aunque no te aseguramos que esta secuela tenga frutas o clásicos ochenteros, sí podemos augurar una historia bastante interesante que promete enamorarnos para luego romper nuestros corazones de nuevo.
Hammer y Chalamet en una escena de la película.
La sinopsis oficial – según la editorial Farrar, Straus and Giroux- dice así:
‘En Find Me, Aicman nos muestra a Samuel, el padre de Elio, divorciado en un viaje de Florencia a Roma para visitar a Elio, quien se ha convertido en un talentoso pianista clásico. Un encuentro del destino en el tren cambiará la vida de Sami definitivamente. Elio pronto se muda a París, donde él también tiene un amorío consecuente, mientras que Oliver, ahora un profesor de Nueva Inglaterra, con hijos que han crecido, se encuentra contemplando un viaje de regreso a Europa.’
Michael Stuhlbarg, Timothée Chalamet y Armie Hammer.
En diciembre del año pasado, a través de un tuit muy directo, el autor André Aicman reveló que estaría escribiendo una segunda parte a raíz del fenómeno que la adaptación cinematográfica de su antecesora había dejado en miles de seguidores, pues no solo dio un referente visual al romance entre Elio y Oliver, sino robó los corazones todos por igual gracias a la gratificante actuación y belleza de los protagonistasTimothée Chalamet y Armie Hammer, Elio y Oliver respectivamente.
I would actually love a sequel to Call Me by Your Name. In fact I am writing one.
Durante la temporada de premios el año pasado, Luca Guadagnino -director- al igual que Chalamet y Hammer se pronunciaron a favor de una secuela gracias a las críticas positivas y buena recepción del público; sin embargo, en una entrevista reciente para Vulture, Hammer se dice indeciso sobre filmar una segunda parte pues: ‘no sabe si (la segunda parte) vivirá para ser igual que la primera.’
Aún así, como lectores tendremos el privilegio de saber qué sucede con las vidas de Elio y Oliver, así como descubrir si su romance veraniego volverá a resurgir, inclusive 20 años después… no podemos quejarnos.
¿Por qué se sigue financiando basura en nuestro país?
Por Alex It.
Una película es buena o mala según el gusto de cada quien. Pero, a veces, hay producciones tan indefendibles que no queda más que declararlas como malas. Y no hablo de tan-malas-que-terminan-siendo-de-culto- malas, no, simplemente malas. Sin nada, absolutamente nada que rescatar, así de simple.
Valeria (Zuria Vega) y Sebastián (Alberto Guerra) son una pareja de novios que han logrado sobrevivir a 3 años de relación; sin embargo, después de asistir a una boda, Valeria coquetea con la idea de formalizar, mientras que Sebastián sólo recalca que él no está hecho para el compromiso. Pasan los días, y en el trabajo, Sebastián está a punto de recibir a Pam (Macarena Achaga) – atención Juliantina fans- , la sensual hija de su jefe, como su becaria, y quien al parecer, está dispuesta a seducir a Sebastián a como de lugar, como un simple capricho.
Alberto Guerra y Macarena Achaga.
Las cosas se complican cuando Valeria descubre que está embarazada y Sebastián, en un acto desesperado, le propone matrimonio. Lo que sigue es una caída aparatosa en la que la becaria, un ex novio, el típico mejor amigo gay y una exageradamente bipolar wedding planner meten su cuchara para opinar sobre la relación de los novios, quienes por su parte, se encargan de sabotearse a ellos mismos.
El mensaje que se pretende dar es aquel sobre el triunfo del amor verdadero sobre todas las cosas, aunque implique pintarse los cuernos mutuamente o estar claramente infelices con las decisiones propias; sin embargo, ningún mensaje llega a transmitirse del todo… bueno sí, el mensaje de que en México se sigue gastando dinero a lo bruto en producciones pendejas, pues claramente cualquier ejercicio universitario es mejor que esta porquería.
Vega y Guerra son pareja en la vida real.
Los actores constantemente improvisan, o esa es la impresión que se da. La pobre Zuria Vega hace lo que puede con el guión – o la falta de este- y la dirección – o falta de la misma- pues sus dotes histriónicos exceden a esta producción, convirtiéndola en lo único apenas rescatable de este desastre, porque ni un cameo de Diana Bracho ni la ‘gran reaparición’ de Christian Chavez encajan.
Hablando de Chavez, hay películas donde los chistes sobre la comunidad LGBTIQ tienen lugar, son bienvenidas y hasta risa te dan; en cambio aquí, son los 5 minutos más incómodos de la historia puesto que lo hacen demasiado obvio y no viene ni al caso, pero ni tantito con lo que está sucediendo con la pareja principal.
Y de pronto, la película termina de tajo.
En fin, mi recomendación es vayan a verla, ¡sí! vayan nomás a juzgar a que cosas se les presta atención y dinero por encima de otras producciones nacionales realmente merecedoras o inclusive aquellas ideas que seguramente se quedan empolvadas por no contar con ‘x’ estrellas o yo que sé factores para ser producidas. Una verdadera lastima…
El escritor portugués Fernando Pessoa, se preguntó si su Yo era algo real. No, se dijo. Mi Yo es un cuento que me cuento Yo a mí mismo sobre quién soy Yo. Así que Pessoa decidió que no tenía por qué conformarse con ser un solo Yo, podía ser tres Yos, cada uno distinto, nacido en otra fecha y otro lugar, con distintos gustos, talentos, signo zodiacal, preferencias sexuales y género sexual.
Un día en que se le presentaron varias tareas de gran responsabilidad, Pessoa decidió convertirse en 33 Yos. Ese día es el que Sabina Berman cuenta en su hilarante comedia Ejercicios Fantásticos del Yo. Berman trasluce en su narrativa una fascinación por la figura de Pessoa, un ilustre de la literatura universal, pero ante todo hace un retrato indirecto de NOSOTROS, los que hoy vivimos en la era digital, con un Yo que sabemos sin un asidero en la Naturaleza o en el Cielo: nosotros que a través de las redes sociales podemos jugar continuamente a reinventarnos, nosotros cuya inconsistencia es un enorme privilegio y también una fuente inagotable de angustia.
Con un elenco formidable y diverso: Moisés Arizmendi, Nora Huerta, Hernán del Riego, Fernando Bonilla, Alfonso Cárcamo, Sonia Franco, Hamlet Ramírez y Jyasú Torruco.
El Centro Cultural Helénico albergará la magia de Ejercicios fantásticos del yo los viernes a las 20:30 horas, sábados a las 18:00 y 20:30 horas, y domingos a las 18:00 horas, en el Teatro Helénico. Los boletos tienen un costo de $400, $350 y $200. Actualmente hay una preventa del 50% hasta el 21 de marzo. La temporada será del 16 de marzo al 5 de mayo.
Existe además un precio especial de $100 pesos para los que presenten su credencial Gente de Teatro del INBAL. Las localidades están disponibles en la taquilla del Centro Cultural Helénico ubicado en avenida Revolución 1500, col. Guadalupe Inn.
¿Hasta qué punto pueden borrar tu identidad? ¿Hasta dónde puede llegar el auto engaño y la culpa por complacer a tu familia?
Por: Aida Madrigal Castillo
Quizás deberías darle un vistazo a Boy Erased, la nueva cinta de Joel Edgerton que ha sido censurada en algunos países pues habla de las “terapias” que buscan curar la homosexualidad.
La ignorancia, el auto desprecio y la homofobia internalizada nos pueden llevar a reprimir todo aquello que simplemente es mal visto. En la historia Jared (Lucas Hedges) se disculpa ante sus padres Marshall (Russel Crowe) y Nancy (Nicole Kidman) por tener pensamientos hacia los hombres. Lo que sucede entonces al ser el único hombre de una familia profundamente religiosa, sus padres, lo chantajean y manipulan para que acepté que algo está mal con él y que debe ser “reparado”, por lo que lo inscriben a un programa de conversión.
Russel Crowe y Nicole Kidman actúan de manera magistral en sus personajes.
“Finge, hasta que lo logres.” Es una de las frases que se repiten a lo largo de la película.
Basada en las memorias del mismo nombre de Garrard Conley, Boy Erased usa flashbacks como dispositivo de encuadre para la historia de Jared, dejándonos entrar en experiencias que dan forma al momento que experimenta en la actualidad. (Es una técnica empleada recientemente por Beautiful Boy, lanzada hace apenas un par de semanas).
A través de este ritmo serpenteante, poco a poco empezamos a conocer a Jared como estudiante de último año de secundaria en Arkansas. Más tarde, en la universidad, explora su creciente amor por la escritura y desarrolla dos relaciones significativas: una traumática y la otra dulce.
El autor del libro ha comentado en varias ocasiones que probablemente no estaría vivo, de no ser por el amor y apoyo de su madre.
Esas escenas se intercalan con la rutina actual de Jared: los días pasados inscritos en un centro llamado “Love in Action”, dirigido por Victor Sykes (Joel Edgerton), donde se le pide que complete un “genograma”, indagando la historia de su familia con “comportamiento pecaminoso” como promiscuidad, alcoholismo, ludopatía, enfermedad mental, aborto y, por supuesto, atracción hacia el mismo sexo, intentando rastrear el origen de su homosexualidad.
La gente te dice que puedes nacer gay, eso no es cierto. No puedes nacer homosexual, esto es una mentira. Ahora, soy un consejero y un pastor, pero ¿nací así? No es de comportamiento, se trata de una elección.
Victor Sykes les refuerza el autodesprecio a los participantes.
¿Crees en el diablo? ¿Se parece a mí?, le pregunta Xavier a Jared en una hermosa escena.
En el “refugio” lo primero que hacen es despersonalizar al individuo, afirmando que “ser gay es una elección”, que se puede revertir con perseverancia y fe, al mismo tiempo lo desvinculan de todo tipo de relación con cualquier persona del mismo sexo, le quitan sus pertenencias y le cuestionan sus pensamientos. Todo esto en secreto, pues una de las reglas es no contar lo que sucede en esta instalación; se les vigila de manera constante, se les ridiculiza, se les retiran objetos personales y se les cuestiona absolutamente todo, incluso se les “enseña” cómo ser más masculinos. Gary (Troye Sivan), entrena a Jared a fingir y a decir lo que los miembros de la secta quieren escuchar.
El catalizador de la difícil situación de Jared no se revela hasta casi la mitad de la película: un encuentro violento con su crush universitario (Joe Alwyn) hace que Jared sea expulsado. Al principio, lo niega, convencido de que no ha hecho nada malo (y, de hecho, no lo ha hecho). Pero habiendo dicho este miedo más profundo en voz alta, combinado con el trauma de su primera y única experiencia sexual, eventualmente lleva a la admisión Jared: “Pienso en los hombres. No sé por qué y lo siento mucho “.
Por increíble que parezca, aún existen padres que piensan que pueden cambiar la sexualidad de sus hijos.
Es la explotación de esas inseguridades, de esa fe, lo que Edgerton parece querer destacar. Él interpreta a Sykes como un imprudente vendedor de humo, un hombre que no piensa en las consecuencias del dogma de tonterías que está predicando. Y hay consecuencias, incluso cuando Jared logra atravesar el programa, otros no tienen tanta suerte.
Hedges retrata con maestría, las dolorosas expresiones de duda de sí mismo, de su fe, su educación y hasta de sus padres, dando vida a una persona a la que se le ha enseñado a creer que solo hay una manera de vivir (y que cree en ese camino), y vivir en constante conflicto por eso.
“No voy a fingir que odio a mi padre. No odio a mi padre.”
Y no creo que nadie sea responsable de mí, así que no veo cómo ayudará a elegir a alguien a quien culpar u odiar.
Aún así, me hubiera gustado que Boy Erased hubiera profundizado más en los sentimientos personales de Jared, llevándolo más allá de sus problemas. La película lo hace un poco en sus últimos momentos, especialmente en un encantador flashback, pero hace que el personaje se sienta distante durante gran parte de su tiempo de ejecución.
Aunque en México ya no se denominan terapias de conversión, aún existen los ECOSIG, los Esfuerzos para Corregir la Orientación Sexual e Identidad de Género que atentan contra la dignidad de las personas, por eso el mensaje de esta cinta es más urgente y relevante que nunca.
En México, 92% de los niños, niñas y jóvenes de la comunidad ocultan su orientación sexual por temor a ser agredidos.
Al final, el conflicto no se resuelve de forma clara y fácil. Jared comparte su historia y experiencias con sus padres, quienes lo aceptan a su manera. La escena en la que Jared afirma tranquilamente su identidad, que para entonces ha aceptado de manera amorosa, e invita a su padre a aceptarlo o no, es particularmente poderosa, pues muestra la enorme capacidad de perdón y de amor que existe en el corazón de Jared.
En ese sentido, Boy Erased se siente como una verdadera conversación, una invitación obligada para cuestionar nuestros propios prejuicios.
